El estilo visual de Ufotable: cómo un estudio cambió la acción en el anime

Un estudio que puedes reconocer en un solo fotograma

La mayoría de los espectadores casuales no piensa mucho en el estudio detrás de un anime. Recuerdan la serie y sus personajes, mientras la casa productora pasa desapercibida. Ufotable es una rara excepción. Fundado en 2000, el estudio pasó su primera década desarrollando un estilo visual en lugar de perseguir un éxito. Ese estilo depende de 3 elementos que trabajan en conjunto: una composición digital meticulosa hecha dentro del estudio, animación de efectos integrada a la coreografía y una cámara virtual capaz de realizar movimientos que ningún animador podría dibujar a mano de la misma manera. Ufotable no inventó ninguna de esas herramientas. Su identidad nace de prestarles atención de verdad a cada una, en vez de dejarlas para el final de la producción. Otros estudios pueden usar la iluminación para terminar una escena; Ufotable trata la luz casi como pintura. Otras producciones pueden recurrir a cortes para evitar un efecto complicado; Ufotable construye la toma alrededor de él. Congela el resultado, oculta el logo y apaga el sonido. Aun así, una sola imagen puede delatar al estudio. Pocos estudios de anime han hecho que sus decisiones de producción sean tan visibles para un espectador común, y menos aún las han convertido en una firma tan reconocible al instante.

Cuando la composición se convierte en el atractivo principal

La composición es la etapa en la que los personajes dibujados, los fondos, la iluminación, los resplandores, la bruma y los efectos de lente se integran en la imagen terminada. En la mayoría de los estudios, funciona como un discreto paso final. Ufotable la pone en primer plano para el público y la realiza dentro del estudio en una medida que pocos competidores intentan alcanzar. Los fotogramas resultantes tienen una luminosidad inconfundible. Los negros se ven profundos y aterciopelados, las zonas brillantes irradian luz como vidrio iluminado desde atrás y una capa de bruma atmosférica le da una convincente sensación de profundidad incluso a una toma inmóvil. Este enfoque se remonta directamente a las películas de Kara no Kyoukai de finales de la década de 2000 y al trabajo del estudio con Type-Moon en Fate/Zero y las entregas de Fate/stay night que le siguieron. Esos proyectos le dieron a Ufotable material ideal para el estilo que estaba desarrollando. La lluvia, el neón y la magia se convirtieron en motivos para inundar el fotograma de luz integrada mediante composición. La técnica nunca se limitó a hacer brillar objetos individuales. Determinaba la sensación que transmitía toda la toma, desde la parte más oscura del fondo hasta el efecto mágico más brillante. Cuando esa sensibilidad llegó a una serie shonen de gran alcance, el público la percibió como espectáculo en su forma más pura.

El fuego, el agua y los rayos toman la pelea

Demon Slayer muestra este método con la mayor claridad. La serie convirtió a Ufotable de un favorito entre conocedores en un nombre conocido por todos, y sus técnicas de respiración funcionan como una extensa muestra de animación de efectos. La Respiración del Agua se despliega en oleajes estilizados que recuerdan a los grabados en madera ukiyo-e. La Respiración de la Llama recorre el encuadre en capas de fuego. La Respiración del Rayo llega como un destello blanco de velocidad. Cada efecto tiene un carácter visual distinto y una función diferente dentro de la acción. No son partículas genéricas añadidas después de animar la pelea. Combinan animación dibujada a mano con distorsión digital, chispas y resplandores, de modo que las imágenes pueden ser hermosas sin perder su sensación de peligro. Los efectos también transmiten la fuerza y la dirección de cada ataque, por eso se sienten integrados a los combatientes en vez de parecer pegados encima. El episodio 19 de la primera temporada sigue siendo el ejemplo por excelencia. Tanjiro utiliza el Hinokami Kagura por primera vez, y el episodio presenta una animación televisiva con el acabado de un largometraje. Para muchos espectadores, esa secuencia fue el momento en que las capacidades de Ufotable quedaron completamente claras. El estudio había tomado su método ya consolidado y lo había plasmado en una escena que un público enorme recordaría.

La cámara imposible

El movimiento aporta el tercer componente del estilo de Ufotable. El estudio construye entornos en 3D, desplaza una cámara virtual por esos espacios y combina las imágenes con animación de personajes en 2D. Este proceso da lugar a los descensos en espiral y las persecuciones por pasillos que definen tantas de sus escenas de acción. A la animación hecha únicamente a mano le cuesta mantener esos movimientos de cámara, mientras que las imágenes generadas por computadora por sí solas suelen hacer que se sientan rígidos. Ufotable trabaja entre ambos extremos: usa el espacio tridimensional para dar libertad al movimiento y mantiene a los personajes anclados en una expresiva animación en 2D. Los duelos de Fate sirvieron como campo de pruebas. Esas peleas están planteadas como si la cámara se hubiera unido al combate, girando y lanzándose alrededor de los participantes mientras intercambian golpes a una velocidad imposible. El movimiento constante podría volver confusa la acción fácilmente, pero la puesta en escena mantiene claros los momentos importantes. La técnica tiene un riesgo evidente. Si se ejecuta mal, se parece a una cinemática de videojuego y llama la atención sobre los mecanismos detrás de la toma. Las mejores secuencias de Ufotable evitan esa rigidez. Una pelea de espadas deja de sentirse como un acontecimiento observado desde la seguridad de afuera. Se siente como si el espectador cayera por el espacio junto con las espadas, las chispas y los cuerpos.

El nuevo estándar y su costo

El efecto en la acción del anime ha sido enorme. Cuando llegó la película Mugen Train, se convirtió en la más taquillera de la historia de Japón y se llevó un récord que El viaje de Chihiro había conservado desde 2001. Su éxito demostró que la continuación de un anime para televisión podía convertirse en un éxito masivo de taquilla, en lugar de quedarse como un evento de nicho para quienes ya eran fans. El cambio más duradero fue el nivel visual que estableció como referencia. Decir que un episodio parecía una película solía ser un cumplido excepcional. Cada vez más, se ha convertido en el estándar que espera el público, y se puede ver a otros estudios trabajando para responder a esa demanda. El enfoque de Ufotable no le gusta a todo el mundo. Quienes critican su intenso brillo y su luz integrada mediante composición sostienen que el acabado digital puede restarle fuerza a la expresividad cruda y tangible de los personajes en obras de estudios como MAPPA, en Jujutsu Kaisen y Chainsaw Man. Esa crítica apunta a una verdadera diferencia de gustos. Un enfoque favorece el espectáculo digital de apariencia pictórica, mientras que el otro da más peso a la aspereza del dibujo a mano. Ese contraste alimenta ahora uno de los debates más animados sobre el anime de acción moderno. Ufotable no resolvió ese debate, pero su éxito es la razón por la que ha cobrado tanta relevancia. El estudio cambió tanto la escala del espectáculo que el público creía posible en las producciones televisivas como los criterios que usa la gente para evaluarlo.

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