Wit Studio y el arte de tomar riesgos

Una propuesta que el mercado no quería

Basta mirar qué recompensaba el mercado cuando se hizo Vinland Saga. Las fantasías de poder y reencarnación eran la apuesta más segura de la industria. That Time I Got Reincarnated as a Slime, Re:Zero y Mushoku Tensei: Jobless Reincarnation estaban diseñadas para atrapar al público en la primera hora y seguir subiendo la apuesta a partir de ahí. Wit eligió el manga seinen de Makoto Yukimura. Su mundo es la Inglaterra medieval y el frío mar del Norte, con un elenco compuesto principalmente por hombres adultos. La obra está llena de lodo, sangre y política. No hay una trama romántica que mantenga la historia en movimiento, mientras que el protagonista pasa la mayor parte de su tiempo en pantalla siendo una compañía francamente desagradable. Adaptar esa historia era lo más alejado posible de seguir tendencias. Vinland Saga tampoco es una afortunada excepción, sino parte de un hábito más amplio. Ranking of Kings esconde una narración brutal bajo el arte de un libro ilustrado, y su protagonista no puede ganar una pelea. Great Pretender es una aventura de estafas, un género que el anime casi nunca financia. Vivy: Fluorite Eye's Song es una obra original sin la red de seguridad de un manga, igual que la película Bubble. The Ancient Magus' Bride es tranquila y pausada porque así lo pide la historia. En todos estos proyectos, Wit invierte una y otra vez tiempo y dinero en ideas cuyo atractivo no salta a la vista en una presentación breve. Ese patrón dice más del estudio que cualquier recurso visual recurrente.

Hacer que la larga espera valga la pena

Vinland Saga lleva el nombre de un lugar en el título, pero esta entrega apenas llega a él. Esa decisión revela con claridad cómo maneja la serie el tiempo y las expectativas. La trama de venganza está construida para ser desmantelada, no para cumplirse. Para que eso tenga sentido, la serie debe ganárselo a lo largo de una entrega completa de 2 cours. Insinuar la idea y resolverla pronto vaciaría de fuerza su argumento. Hiroshi Seko se encarga de la composición de la serie y de los guiones, y el gran riesgo está en la estructura que defiende. La adaptación no comprime las bases morales ni toma prestado un clímax posterior para darle un impulso artificial a la parte intermedia. Confía en que cada etapa de la historia sostenga su propio peso. La primera entrega de Attack on Titan usó una estrategia similar a un ritmo muy distinto. Se presenta como una historia de asedio mientras mantiene oculto su verdadero tema mucho más tiempo del que permitiría la mayoría de las series construidas alrededor de un gancho inmediato. Ranking of Kings usa de manera parecida la distancia entre su apariencia de cuento infantil y su crueldad. En cada caso, la espera cumple una función real. No es un recurso decorativo que pueda quitarse sin cambiar la historia. Cuando la recompensa buscada está tan lejos, cada hora previa debe ser cautivadora por sí misma. Esa tarea es más difícil que ofrecer un espectáculo nuevo cada semana, y Wit la acepta sin apresurar la obra hacia una recompensa más fácil.

Confiar en el elenco en vez de corregir al héroe

Thorfinn Karlsefni es el protagonista, pero pasa la mayor parte de esta entrega actuando como un arma en vez de una persona. Es salvaje y apenas habla, atrapado en la órbita de un duelo que no puede ganar contra el mercenario que le arrebató a su padre. Una adaptación comercialmente cautelosa empezaría a suavizar esas cualidades después de unas horas, por miedo a que el público perdiera la paciencia. Wit lo deja ser difícil y permite que quienes lo rodean aporten buena parte del atractivo inmediato de la serie. Askeladd aporta la inteligencia que impulsa la trama. Es el asesino del padre del protagonista, escrito con tanto cuidado que el público puede terminar apoyándolo contra su propio juicio. Canute Svenson aparece primero como un príncipe tímido y luego se endurece hasta convertirse en la figura más interesante de esta entrega. Sobre el papel, esa transformación le corresponde a un personaje secundario. Thors Snorresson enuncia pronto la tesis moral de la serie y después sale del tablero. A partir de ahí, el argumento debe volver a ganarse a través de personas que nunca creyeron en él. Thorkell aporta la alegría que necesita una historia tan sombría sin hacer que el conflicto general parezca menos grave. La serie pide al público que les tome cariño a esos personajes que rodean al héroe, mientras él sigue siendo deliberadamente difícil de querer. No es un efecto secundario de la adaptación. Es la apuesta que le da fuerza al final. Al negarse a convertir a Thorfinn antes de tiempo en un protagonista más fácil de querer, Wit permite que los demás personajes se conviertan en la razón para seguir viendo y preserva la forma de su historia.

Clima, trabajo y violencia sin glamour

La dirección de arte de Yuusuke Takeda muestra en qué se invierte el dinero de la producción, y no es en lo que normalmente gastaría una serie diseñada para ser un éxito. La nieve, el mar, el lodo y la luz gris del día establecen las condiciones físicas del norte. El entorno tiene más presencia que la mayor parte del elenco, así que los viajes y la violencia nunca se sienten separados del suelo frío bajo sus pies. El combate se presenta como trabajo, no como coreografía. Se ve pesado y crudo, con un agotamiento más cercano al trabajo del campo que a una recopilación de momentos espectaculares. Ese enfoque rechaza deliberadamente el tipo de acción que más fácilmente vendería clips cortos por sí sola. Las decisiones sobre el equipo respaldan esa misma prioridad. Shinji Ochi aporta animación clave al opening y a uno de los tramos más destacados de la entrega. Satoshi Kadowaki se desempeña como director de animación en varias de sus horas más intensas, incluido el cierre. Tadahito Matsubayashi se encarga del guion gráfico y la dirección de ese final. La producción dirige su talento hacia el peso emocional en vez de tratar el espectáculo como el destino obligado de sus mejores artistas. Hay una limitación real. Los barcos y parte del trabajo con el mar usan CG, y quien se fije puede distinguir la unión entre esos elementos y el material dibujado. Es el único aspecto en el que la textura de la serie resulta menos convincente. Eso no borra la fuerza de la dirección de Takeda, pero impide que la producción se sienta completamente integrada cada vez que los barcos tienen que sostener una escena.

La crítica más fuerte: Wit no termina lo que empieza

El argumento más sólido en contra de esta perspectiva tiene poco que ver con el gusto personal. Tiene que ver con llegar hasta el final. Wit crea adaptaciones que dejan huella y luego otros estudios las llevan a la meta. La etapa final de Attack on Titan pasó a MAPPA, al igual que la continuación de Vinland Saga. Fullmetal Alchemist: Brotherhood sigue siendo el referente de fidelidad en una adaptación porque un estudio regresó y se encargó como debía de toda la historia hasta la última página. Frente a ese ejemplo, llamar a Wit un estudio que toma riesgos puede sonar como una forma generosa de describir a una compañía que se va una vez que ha preparado al público y comienza la parte más difícil de continuar. Las uniones visibles del CG añaden otra debilidad al argumento. El prestigio también puede convertirse en una zona de confort, sobre todo cuando el público aprende a considerar las obras originales difíciles como parte de la marca de un estudio. Esta crítica tiene peso, pero hay 2 respuestas sólidas. Primero, demostrar que una propuesta que no está de moda puede funcionar es menos común que completar un proyecto que ya encontró a su público. Las continuaciones que hoy disfruta la gente solo existen porque Wit demostró primero que los vikingos y una catarsis postergada podían mantener el interés del público cuando nadie sabía si la idea tendría éxito. El estudio asumió la incertidumbre en la etapa en que era más fácil imaginar el fracaso. Segundo, Spy x Family demuestra que Wit puede generar dinero a manos llenas cuando decide hacerlo. Por eso, las elecciones más difíciles son una decisión, no una muestra de sus límites. Puede que Wit no siempre permanezca durante todo el recorrido, pero su disposición a iniciar estos proyectos sigue cambiando qué historias tienen siquiera la oportunidad de continuar.

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