Crítica de Your Name: um romance radiante sobre troca de corpos e pessoas de quem quase nos lembramos

A história e a premissa da troca de corpos

A premissa poderia ter saído direto de uma comédia romântica, e é assim que o filme a trata no início. Mitsuha Miyamizu é neta de uma sacerdotisa de santuário, está presa na cidade fictícia de Itomori, nas montanhas, e reza para renascer como um garoto de Tóquio. Taki Tachibana é bem próximo da pessoa que ela imagina: um estudante do ensino médio da cidade que tenta equilibrar seu sonho de trabalhar com arquitetura com um emprego em um restaurante. Sem aviso nem explicação, os dois começam a acordar no corpo um do outro em manhãs esporádicas. Eles tropeçam em rotinas desconhecidas, causam problemas em vidas que mal compreendem e tentam conter os estragos com anotações desesperadas no celular e lembretes rabiscados. Shinkai extrai muita comédia desarmante dessa confusão. Na metade do filme, porém, a história toma outro rumo e dá um novo significado a tudo o que veio antes. Explicar mais estragaria a descoberta. O importante é que a troca de corpos nunca existe apenas como um chamariz criativo. Ela conduz o filme até seu verdadeiro fascínio pelo musubi, a ideia de que fios, tempo e pessoas podem ser unidos e desatados pelos mesmos nós invisíveis. A estrutura assume riscos muito maiores do que a premissa fofa sugere, e quem acompanha os detalhes com atenção é recompensado.

Personagens e um romance construído à distância

Your Name realiza uma proeza romântica difícil. Mitsuha e Taki passam a maior parte do filme separados, e às vezes um deles nem sequer está no corpo esperado, mas a ligação entre os dois continua sendo a parte mais convincente da obra. Mitsuha tem um humor sutil, está insatisfeita com o lugar onde vive e é corajosa de maneira discreta. Taki começa arredio, mas a experiência das trocas aos poucos suaviza suas arestas e o torna mais gentil. Eles se conhecem principalmente por meio de registros em diários e dos vestígios de dias vividos em tempo emprestado. A proximidade cresce a partir desses rastros: um nome que não conseguem lembrar direito, um hábito familiar ou um cheiro que permanece. É justamente essa intimidade indireta que dá força à relação. Os personagens secundários têm menos espaço para se desenvolver, embora tragam calor humano sempre que aparecem. Yotsuha, a irmã mais nova de Mitsuha, reage à confusão com uma expressão impassível. A avó das duas, Hitoha, responsável pelo santuário da família, dá à história seu peso espiritual. Teshigawara e Sayaka fazem Itomori parecer um lar cuja sobrevivência importa, em vez de um cenário decorativo. Miki Okudera, colega de trabalho mais velha de Taki, traz a dor agridoce de um amor comum e não correspondido. Nenhuma dessas pessoas tem a profundidade de um retrato literário denso. Ainda assim, elas parecem únicas e dolorosamente humanas, o que é exatamente o suficiente para a história contada.

Animação, luz e a trilha do RADWIMPS

A apresentação eleva um filme já forte a um patamar emocionalmente avassalador. A CoMix Wave Films cria um Japão que parece mais luminoso e rico que a realidade. A luz do sol atravessa as janelas dos trens. O asfalto de Tóquio brilha depois da chuva. Um cometa se abre pelo céu do entardecer em cores tão vivas que quase parecem indevidas. Shinkai também assina a própria direção de fotografia e usa a luz com a presença normalmente reservada a um personagem. Cada reflexo de lente e partícula de poeira flutuante foi colocado com intenção. Os designs de personagens de Masayoshi Tanaka são mais calorosos e arredondados, o que mantém as pessoas em destaque diante dos cenários famosos pelo fotorrealismo de Shinkai. Esse equilíbrio resolve um problema que acompanhava algumas de suas obras anteriores, nas quais as figuras humanas podiam desaparecer na paisagem. O RADWIMPS fornece a outra metade do impacto. A banda de rock faz muito mais do que oferecer música de fundo e parece uma parceira criativa no filme finalizado. Suas faixas vocais cheias de energia, incluindo “Zenzenzense”, “Sparkle” e “Nandemonaiya”, chegam aos maiores ápices emocionais com a força de números de tirar o fôlego em um musical. Alguns puristas acham essas entradas musicais insistentes demais. Vistas com as imagens e sincronizadas com a montagem, elas atingem com força devastadora. A conquista técnica do filme elevou o padrão comercial dos longas de anime, e basta olhar para quase qualquer quadro para entender como conseguiu isso.

Memória, desastre e o significado de musubi

Por trás do romance central, Your Name reflete sobre catástrofes e as pessoas que podem desaparecer em suas consequências. Shinkai escreveu o filme sob a longa sombra do trauma coletivo do Japão diante de desastres. Seu principal perigo, um evento celeste que se dirige a uma cidade pequena, carrega assim o peso inconfundível de um luto real, junto à fantasia de que esse luto possa ser desfeito. Isso transforma a história de amor em algo mais profundo do que a simples questão de saber se duas pessoas vão se encontrar. A preocupação mais profunda é se a memória pode sobreviver à perda e se alguém consegue se agarrar a uma pessoa, lugar ou sentimento enquanto o tempo e a distância trabalham para dissolvê-lo. O musubi une essas ideias por meio de cordões trançados, rios que correm, saquê oferecido e uma versão do fio vermelho do destino que precisa ser tecido, afrouxado e tecido novamente. Essa combinação de saudade íntima e escala mítica distingue o filme de incontáveis outros romances sobre adolescentes. Cada parte é apresentada com total sinceridade. Shinkai não tem interesse em proteger o público com ironia. Ele pede que você aceite que um nome à beira da lembrança possa ser a coisa mais importante do universo. Durante duas horas, o filme faz essa crença parecer inteiramente natural.

O que funciona e onde o filme falha

As conquistas do filme são consideráveis. Sua estrutura recompensa a atenção aos detalhes, sua trilha parece inseparável das imagens e seu clímax foi construído com uma precisão extraordinária. A famosa sequência em que os personagens quase se encontram continua sendo um dos grandes golpes emocionais prolongados da animação moderna. Antes de partir seu coração, a história também é realmente engraçada, um equilíbrio muito mais difícil de alcançar do que parece. As fraquezas também são reais. Os mecanismos que regem o tempo e a memória não resistem a muito escrutínio. Questione as regras por trás das trocas e suas consequências, e a lógica começa a vacilar. O terceiro ato também depende de acontecimentos oportunos e de um recurso de roteiro que é abandonado e depois retomado, o que exige bastante boa vontade do público. O sentimentalismo de Shinkai é extremamente eficaz enquanto o filme está passando, mas vários momentos descambam para a manipulação. Às vezes, a música quase diz ao espectador quando chorar. O ritmo tem prioridade sobre a profundidade dos personagens, e a maior parte do elenco secundário desaparece assim que a trama começa a acelerar. Esses defeitos não afundam o filme. Ainda assim, serão evidentes para quem não gosta de melodrama sincero ou espera regras internas à prova de falhas. É provável que essas pessoas percebam as emendas pelas quais o apelo emocional da história tenta levá-las sem que reparem.

Perguntas frequentes