Crítica de Princesa Mononoke: o épico de Miyazaki em que ninguém é vilão

História e premissa

Ashitaka, último príncipe do povo Emishi, que está desaparecendo, mata um deus para salvar sua aldeia: uma divindade javali transformada numa massa retorcida de vermes demoníacos por uma bala de ferro cravada em sua carne. A vitória lhe custa tudo. Uma maldição se espalha por seu braço, concedendo uma força terrível enquanto o mata aos poucos. Exilado, ele cavalga para o oeste em busca da origem daquele ferro e, talvez, de uma cura. O que encontra é a Cidade do Ferro, uma fortaleza de forja comandada pela formidável Senhora Eboshi, cujas fornalhas devoram progressivamente a floresta ao redor. A floresta reage por meio de seus deuses animais e de San, uma garota humana criada por lobos que quer matar Eboshi. Miyazaki se recusa a simplificar qualquer parte disso. Eboshi acolhe doentes e excluídos; os deuses são nobres, mas estão perdendo a razão para a fúria. A missão de Ashitaka não é vencer, mas 'ver com olhos livres de ódio', colocar-se entre dois lados que têm razão e, de algum modo, impedir que se aniquilem. A premissa soa como fantasia; o filme se desenrola como tragédia.

Personagens

San, a 'Mononoke' do título, embora ela nunca se chamasse de princesa, é uma das heroínas mais ferozes dos animes: selvagem, furiosa, mais à vontade entre lobos do que entre os de sua própria espécie. Ashitaka é seu oposto e seu espelho, um jovem de calma extraordinária cuja firmeza não parece falta de personalidade, mas disciplina conquistada a duras penas. O romance entre os dois, se é que se pode chamá-lo assim, nunca chega a uma conclusão arrumadinha, e o filme é melhor por isso. A verdadeira revelação é a Senhora Eboshi, uma das antagonistas mais complexas de toda a animação: uma déspota progressista que arma os marginalizados e arrasa o que é sagrado sem o menor sinal de culpa. Ao redor deles gravitam presenças inesquecíveis: Moro, a imponente deusa loba e mãe adotiva de San; Jigo, o monge mercenário alegremente amoral; Okkoto, o velho deus javali que conduz os seus ao massacre. Até os pequenos espíritos das árvores, mudos e que fazem barulho ao se mover, chamados Kodama, se tornam icônicos de imediato. Ninguém aqui é um tipo pronto. Todos querem algo razoável, e são justamente esses desejos razoáveis que os colocam uns contra os outros.

Animação e som

Aqui o Ghibli está no auge absoluto da animação desenhada à mão. A floresta respira, com luz filtrada entre as folhas, musgo e água retratados com paciência quase devocional, até explodir em algumas das cenas de ação mais viscerais que o estúdio já animou: flechas que arrancam braços, deuses que fervilham pela paisagem, uma transformação no clímax que é puro horror líquido. Segundo relatos, o próprio Miyazaki corrigiu à mão uma quantidade impressionante de quadros do filme, e isso transparece no peso de cada galope e de cada corpo que cai. O visual do Shishigami, o Espírito da Floresta que passa de um sereno deus cervo durante o dia a um gigantesco Andarilho Noturno salpicado de estrelas ao anoitecer, causa verdadeiro assombro. Há também a trilha de Joe Hisaishi, possivelmente a melhor que ele compôs para Miyazaki: um tema principal arrebatador e elegíaco, que dói de tanta saudade, entremeado por tambores de guerra e momentos de assombro silencioso. A versão em inglês, roteirizada pelo romancista Neil Gaiman, é excepcionalmente bem escrita e vale muito a pena procurar. Som e imagem trabalham em harmonia para fazer uma floresta do Japão medieval parecer o último lugar sagrado da Terra.

Temas e o que torna o filme especial

A maioria das histórias de 'natureza contra indústria' são fábulas morais com um vilão claramente identificado. Princesa Mononoke põe fogo nesse modelo. Sim, é um filme ecológico, talvez o mais apaixonado já animado, mas Miyazaki se recusa a romantizar a natureza selvagem ou demonizar o progresso. Os deuses da floresta são magníficos e estão condenados, e sua fúria se transforma na mesma corrupção demoníaca que amaldiçoou Ashitaka. O desmatamento causado pela Cidade do Ferro é realmente monstruoso, mas a cidade também é um refúgio onde pessoas rejeitadas e com deficiência comem bem e vivem com dignidade. O gesto radical do filme é insistir que as duas coisas são verdadeiras ao mesmo tempo. Não há retorno ao Éden, ele defende, e tampouco há consciência tranquila no progresso, apenas o trabalho exaustivo da coexistência. Com raízes no animismo xintoísta e ambientado em meio ao avanço aos solavancos do Japão rumo à indústria na era Muromachi, o filme trata deuses, humanos e a terra como um só sistema ferido. Essa recusa de uma catarse fácil é exatamente o que o eleva acima de quase todos os épicos de fantasia, animados ou não. Ele não quer fazer você se sentir bem. Quer fazer você pensar com honestidade.

Pontos fortes e limitações

Os pontos fortes são quase absurdos: uma visão moral coerente e adulta; uma realização técnica sem igual; uma heroína e uma antagonista que, cada uma sozinha, sustentariam um filme menor. É um daqueles raros épicos que realmente fazem jus ao termo. Mas Mononoke não é perfeito, e fingir o contrário não lhe faz favor algum. É denso na narrativa e nos temas, e a quantidade de facções (Emishi, lobos, javalis, macacos, samurais, caçadores de Jigo, senhores rivais da Cidade do Ferro) pode deixar quem assiste pela primeira vez perdido. O ritmo é intenso e implacável, com poucos dos intervalos tranquilos para respirar que tornam Totoro ou A Viagem de Chihiro tão acolhedores. Ashitaka, apesar de todo o seu peso moral, pode parecer mais um princípio do que uma pessoa, o centro imóvel em torno do qual todos os outros giram. E o final, embora perfeito em termos temáticos, resolve as questões cósmicas da trama mais rápido do que alguns espectadores gostariam. A violência é real: membros decepados, sangue jorrando, verdadeiro horror corporal. Não é um filme infantil no sentido reconfortante associado ao Ghibli, e chegar esperando isso é o caminho mais rápido para não gostar dele.

Perguntas frequentes