Crítica de Girls Band Cry: nervos à flor da pele, rock convincente e 3DCG que ganha vida

Uma banda formada em meio a dias ruins

Nina Iseri sabe que não se encaixa em sua cidade natal sufocante, então abandona a escola e foge para Tóquio em busca de algo que não consegue definir por completo. Seu primeiro dia é um desastre. Depois de uma série de humilhações, ela ainda fica trancada para fora do próprio apartamento. Então, por acaso, conhece Momoka Kawaragi, a guitarrista que idolatra, e esse encontro dá uma válvula de escape para toda a frustração de Nina. As duas fazem uma apresentação improvisada na calçada e começam a reunir uma banda formada por outras pessoas que também não se encaixam. Girls Band Cry poderia ter transformado essa premissa em mais uma história confortável sobre amigas descobrindo um hobby. Em vez disso, a música é tratada como uma luta para essas personagens. Elas enfrentam famílias que não as entendem, uma indústria disposta a mastigar e cuspir pessoas e instintos que muitas vezes pioram suas próprias vidas. A série é franca sobre como a busca por um sonho pode se parecer com a autodestruição. Também permite que suas protagonistas sejam realmente difíceis, sem suavizar cada explosão e transformá-la em uma excentricidade adorável. Sem entrar em muitos spoilers, a história se interessa menos por vencer uma grande competição do que por aprender a se impor em um mundo que insiste em diminuir você. É uma história de amadurecimento de punhos erguidos, e seus conflitos continuam intensamente pessoais porque o sucesso nunca importa tanto quanto a capacidade das garotas de conviver consigo mesmas.

Cinco pessoas que não se encaixam facilmente

A banda depende de suas cinco protagonistas, e as relações entre elas são construídas a partir do atrito, não de um afeto imediato. Nina é seu motor, um nervo exposto movido em partes iguais por necessidade e rebeldia. Ela é tsundere no sentido mais verdadeiro, capaz de inspirar em um momento e esgotar no seguinte. Momoka Kawaragi, a guitarrista em decadência que Nina persegue, carrega uma postura cansada e defensiva que demora a ceder. Subaru Awa, Tomo Ebizuka e Rupa se juntam a elas, cada uma levando suas próprias feridas para a sala de ensaio. Seus fardos incluem famílias das quais se afastaram, sonhos interrompidos e o dano mais silencioso de ouvir que são exageradas demais. O roteiro não tem pressa de transformar nenhuma delas em uma mascote adorável. Elas continuam cheias de arestas e podem ser claramente desagradáveis, o que faz com que a proximidade que acabam desenvolvendo pareça conquistada. No começo, a química surge de choques repetidos. Só aos poucos esses conflitos se fundem em algo parecido com uma família, dando uma aspereza real à conhecida ideia de família encontrada. Até o elenco de apoio mantém as emoções ligadas à vida cotidiana. A família fragmentada de Nina importa porque a série entende que a rebeldia não apaga as pessoas deixadas em casa nem a dor que se leva embora. Nenhuma fantasia de idol protege essas garotas das consequências. Elas parecem pessoas que esgotaram os lugares aceitáveis onde guardar a própria raiva, então a despejam em uma música. Por isso, até suas piores brigas parecem ligadas à banda, em vez de inseridas apenas para fabricar drama.

Por que o 3DCG funciona quando a música começa

A apresentação inteiramente em 3DCG é o ponto que claramente divide opiniões. Em imagens paradas, os modelos podem parecer plastificados, e os rostos às vezes chegam perto daquela aparência estranha que quem desconfia de CGI já teme. As cenas tranquilas expõem essa artificialidade com mais clareza. Em movimento, a animação se defende melhor. A equipe da Toei tira proveito da encenação em 3D de maneiras que produções desenhadas à mão raramente tentam, com uma câmera que pode circular livremente e uma atuação corporal que dá peso convincente aos personagens. Durante as apresentações, os dedos realmente encontram os trastes enquanto os corpos se inclinam ao ritmo da batida. É na expressividade que a técnica mostra seu valor. Os rostos se contorcem sem precisar continuar bonitos, os ombros desabam sob a decepção e a fúria ou a euforia de uma personagem pode ser percebida do outro lado de uma sala. O som é ainda melhor. O produtor musical Kenji Tamai supervisiona as músicas interpretadas pela banda de rock real Togenashi Togeari, cujo elenco de dublagem também toca essas músicas ao vivo para plateias reais. Essa diferença é audível. As faixas funcionam como canções de rock legítimas, em vez de jingles descartáveis escritos apenas para preencher uma cena. Quando uma música eletrizante e a animação entram em sintonia, o estilo visual deixa de parecer algo que o espectador precisa relevar. Ele se torna uma forma eficaz de transmitir o suor e a energia física de uma banda tocando com força total. Quem não gosta de 3DCG talvez nunca passe a gostar de cada cena, mas as apresentações completas mostram exatamente por que Girls Band Cry apostou nele.

Raiva, ambição e a necessidade de ser ouvida

Girls Band Cry se distingue das séries mais organizadinhas sobre clubes de música ao se recusar a tornar a ambição agradável. Sua emoção central é a raiva, especialmente a raiva sentida por jovens mulheres que sofreram bullying, foram ignoradas ou obrigadas a caber em moldes que não lhes servem. Elas descobrem que um pedal de distorção faz mais por elas do que a educação jamais fez. A série dedica tempo ao pertencimento e à família encontrada sem perder de vista temas que o gênero costuma evitar. Os conflitos de classe determinam o quanto as garotas podem arriscar. A exploração pela indústria pressiona sua arte, e perseguir essa arte pode romper a família em que alguém nasceu. Sua história de amadurecimento é cheia de arestas, com o afeto surgindo em breves momentos, sem suavizar o conflito. Os laços entre as garotas também são tratados com ternura. Às vezes, essa proximidade sugere discretamente algo além da amizade, sem virar espetáculo. Em meio a tudo isso, a série sempre volta à ideia de que fazer barulho pode ser uma forma de sobrevivência. A fama não é o verdadeiro objetivo. O que importa é reivindicar o direito de existir em alto e bom som e nos próprios termos. Muitos animes sobre bandas oferecem conforto sem grandes conflitos, e não há nada de errado com isso. Girls Band Cry busca o incômodo de uma mágoa que continua sem resolução. Sua sinceridade vem carregada de ressentimento, e é justamente por isso que a história permanece com você depois que a última música acaba.

Onde acerta e onde exagera

As melhores qualidades de Girls Band Cry são fáceis de ouvir e sentir. Seu coração emocional é feroz, as personagens mantêm suas arestas, e a música se integra ao drama tão bem quanto em quase qualquer anime recente. Quando uma cena funciona, ela atinge em cheio. Permitir que as protagonistas continuem ásperas também parece mais ousado do que a caracterização mais segura adotada por muitas séries semelhantes. Os pontos fracos são igualmente visíveis. Embora o 3DCG seja expressivo em movimento, as cenas calmas deixam os modelos parados por tempo suficiente para que sua artificialidade apareça. Alguns espectadores não vão superar esse obstáculo, e a admiração pelas apresentações só consegue compensar até certo ponto. O melodrama também é muito intenso. Girls Band Cry adora a catarse de uma discussão aos gritos, mas parte do trecho intermediário insiste tanto em conflitos e acusações que o efeito se torna cansativo em vez de comovente. Alguns arcos secundários chegam à resolução mais rápido do que sua construção justifica. Até a crueza que torna as protagonistas magnéticas pode começar a soar como exploração da miséria quando o espectador não está com disposição para mais um choque emocional. Esses defeitos não afundam a série. Mas significam que ela tem arestas que não podem ser separadas de seu apelo. Algumas pessoas vão adorar os hematomas. Outras vão desejar que a série pare tempo suficiente para respirar.

Perguntas frequentes