A estética da Ufotable: como um estúdio mudou a ação nos animes

Um estúdio que você reconhece por um único quadro

A maioria dos espectadores casuais não pensa muito no estúdio por trás de um anime. Eles se lembram da série e de seus personagens, enquanto a produtora fica nos bastidores. A Ufotable é uma rara exceção. Fundado em 2000, o estúdio passou sua primeira década desenvolvendo uma estética em vez de correr atrás de um sucesso. Essa estética depende de três elementos que funcionam juntos: composição digital interna meticulosa, animação de efeitos integrada à coreografia e uma câmera virtual capaz de movimentos que nenhum animador conseguiria desenhar à mão da mesma maneira. A Ufotable não inventou nenhuma dessas ferramentas. Sua identidade vem da atenção séria que dedica a cada uma delas, em vez de deixá-las para o fim da produção. Outros estúdios podem usar a iluminação para finalizar uma cena; a Ufotable trata a luz quase como tinta. Outras produções podem contornar um efeito complicado com cortes; a Ufotable constrói o plano em torno dele. Congele o resultado, esconda o logo e desligue o som. Ainda assim, pode ficar evidente que aquela imagem é do estúdio. Poucos estúdios de anime tornaram suas escolhas de produção tão visíveis para o espectador comum, e menos ainda transformaram essas escolhas em uma assinatura tão imediatamente reconhecível.

Quando a composição vira a atração principal

A composição é a etapa em que personagens desenhados, cenários, iluminação, brilhos, névoa e efeitos de lente são reunidos na imagem final. Na maioria dos estúdios, ela funciona como um acabamento discreto. A Ufotable a coloca em destaque para o público e cuida dela internamente em um grau que poucos concorrentes tentam alcançar. Os quadros resultantes têm uma luminosidade característica. Os pretos parecem profundos e aveludados, as áreas claras irradiam luz como vidro iluminado por trás e uma camada de névoa atmosférica dá uma sensação convincente de profundidade até a um plano imóvel. Essa abordagem remonta diretamente aos filmes de Kara no Kyoukai do fim dos anos 2000 e aos trabalhos do estúdio com a Type-Moon em Fate/Zero e nas produções de Fate/stay night que vieram depois. Esses projetos deram à Ufotable o material ideal para o estilo que ela desenvolvia. Chuva, neon e magia se tornaram motivos para inundar o quadro com luz criada na composição. A técnica nunca se limitou a fazer objetos individuais brilharem. Ela determinava a sensação transmitida pelo plano inteiro, da parte mais escura do cenário ao efeito mágico mais luminoso. Quando essa sensibilidade chegou a uma série shonen de grande alcance, o público a enxergou como espetáculo em sua forma mais pura.

Fogo, água e relâmpagos tomam conta da luta

Demon Slayer é onde esse método fica mais evidente. A série transformou a Ufotable de favorita entre conhecedores em um nome conhecido do grande público, e suas técnicas de respiração funcionam como uma longa vitrine para a animação de efeitos. A Respiração da Água se desdobra em ondas estilizadas e revoltas que lembram as gravuras ukiyo-e. A Respiração das Chamas avança pelo quadro em camadas de fogo. A Respiração do Trovão surge como um único clarão branco de velocidade. Cada efeito tem uma identidade visual e uma função diferente na ação. Não são partículas prontas adicionadas depois que a luta já foi animada. Eles combinam animação desenhada à mão com distorção digital, faíscas e brilho, para que as imagens sejam belas sem perder a sensação de perigo. Os efeitos também transmitem a força e a direção de cada ataque, por isso parecem integrados aos lutadores, em vez de colados sobre eles. O episódio 19 da primeira temporada continua sendo o exemplo clássico. Tanjiro canaliza o Hinokami Kagura pela primeira vez, e o episódio apresenta uma animação para TV com acabamento de longa-metragem. Para muitos espectadores, aquela sequência foi o momento em que a capacidade da Ufotable ficou totalmente clara. O estúdio pegou seu método já estabelecido e o aplicou a uma cena que um público enorme guardaria na memória.

A câmera impossível

O movimento é o terceiro elemento do estilo da Ufotable. O estúdio constrói ambientes em 3D, leva uma câmera virtual por esses espaços e combina as imagens com a animação 2D dos personagens. Esse processo produz os mergulhos em espiral e as perseguições por corredores que definem tantas de suas cenas de ação. A animação feita apenas com desenhos à mão tem dificuldade para sustentar esses movimentos de câmera, enquanto o uso exclusivo de computação gráfica costuma deixá-los rígidos. A Ufotable trabalha entre os dois, usando o espaço tridimensional para ter liberdade de movimento e mantendo os personagens ancorados na expressividade da animação 2D. Os duelos de Fate serviram como campo de testes. Essas lutas são encenadas como se a câmera tivesse entrado no combate, circulando os participantes e mergulhando ao redor deles enquanto os golpes são trocados em uma velocidade impossível. O movimento constante poderia facilmente tornar a ação confusa, mas a encenação mantém os momentos importantes claros. A técnica traz um risco evidente. Quando mal executada, lembra uma cena de jogo e chama atenção para a estrutura por trás do plano. As melhores sequências da Ufotable evitam essa rigidez. Uma luta de espadas deixa de parecer um acontecimento observado de fora, em segurança. Você sente como se estivesse caindo pelo espaço junto com as lâminas, as faíscas e os corpos.

O novo padrão e seu custo

O efeito sobre a ação nos animes foi enorme. Quando o filme Mugen Train chegou, tornou-se a maior bilheteria da história do cinema japonês, tomando um recorde que A Viagem de Chihiro detinha desde 2001. Seu sucesso provou que a continuação de um anime de TV podia se tornar um sucesso de bilheteria para o grande público, em vez de permanecer um evento de nicho para quem já era fã. A mudança mais duradoura foi o padrão visual que ele estabeleceu. Dizer que um episódio parecia um filme costumava ser um elogio excepcional. Isso tem se tornado cada vez mais o padrão esperado pelo público, e é possível ver outros estúdios trabalhando para atender a essa demanda. A abordagem da Ufotable não agrada a todos. Críticos de seu brilho intenso e de sua luz criada na composição argumentam que o acabamento digital pode reduzir a força da atuação crua e tátil dos personagens em trabalhos de estúdios como a MAPPA, em Jujutsu Kaisen e Chainsaw Man. Essa crítica aponta para uma diferença real de gosto. Uma abordagem favorece o espetáculo digital com aparência de pintura, enquanto a outra dá mais peso à aspereza do desenho à mão. O contraste entre elas alimenta hoje um dos debates mais acalorados sobre os animes de ação modernos. A Ufotable não encerrou essa discussão, mas seu sucesso é o motivo de ela ter ganhado tanta força. O estúdio mudou tanto a escala de espetáculo que o público acreditava que produções para TV poderiam entregar quanto os critérios usados para avaliá-las.

Perguntas frequentes