Production I.G: a potência discreta dos animes

O estúdio sem uma face óbvia

Diga o nome de um estúdio e geralmente uma imagem vem à cabeça. ufotable remete a fogo desenhado como um vitral. Kyoto Animation traz à mente a luz da tarde atravessando a janela de uma sala de aula. MAPPA sugere uma luta encenada como um curta com diretor próprio. Tente o mesmo exercício com a Production I.G e nada tão óbvio aparece. Não há uma paleta padrão, um conjunto familiar de rostos característicos ou um efeito marcante que identifique o estúdio por uma única imagem. Essa ausência não revela uma falha no seu conhecimento. Talvez seja a percepção mais precisa que você possa ter da I.G. Ghost in the Shell, Haikyu!! e Kaiju No. 8 saíram da mesma produtora, mas quase não têm mais nada em comum. Ghost in the Shell é cinzento, úmido e filosófico. Haikyu!! é vibrante, barulhento e construído sobre o chiar dos tênis. Kaiju No. 8 funciona como um blockbuster de monstros, mas mantém um horror corporal genuíno sob o espetáculo. Qualquer estúdio capaz de fazer os três abriu mão, por definição, de adotar uma única face. Por causa dessa escolha, a I.G costuma ser descrita como discreta. Estratégia é uma explicação melhor. Essa abordagem permite que o material determine o resultado, embora o estúdio abra mão de algo concreto em troca dessa liberdade: fica mais difícil para o público formar uma imagem imediata da própria empresa. Suas obras ficam famosas enquanto quem as fez permanece estranhamente indistinto.

A observação vem antes do estilo

Se a I.G tem uma marca registrada, ela está no método, não na aparência final. O estúdio procura entender como um assunto funciona de verdade e então anima o que observou. A cidade de Ghost in the Shell convence porque os cabos, as multidões e as máquinas parecem ter sido estudados antes de alguém começar a desenhar. Um filtro poderia criar atmosfera, mas não transmitiria essa impressão de conhecimento do mundo físico. Haikyu!! se tornou a série de vôlei mais querida já feita em grande parte porque o espectador sempre consegue acompanhar a bola, entender onde cada jogador está em relação à rede e perceber por que uma recepção aparentemente casual é, na verdade, desesperada. O espaço continua fácil de entender, e é essa clareza que cria o drama. Run with the Wind leva o mesmo rigor à forma de correr. A corrida de longa distância parece um dos assuntos menos cinematográficos possíveis até que a passada de um corredor começa a se deteriorar ao longo de um trecho. Você consegue ver exatamente o preço daquele esforço porque o movimento foi observado de perto o bastante para contar a história. Welcome to the Ballroom encontra seu drama na postura e na posição dos dançarinos. Em todas essas produções, a animação se comporta como uma reportagem. Ela presta atenção antes de enfeitar. As modas visuais envelhecem depressa, enquanto um movimento ou ambiente observado com precisão continua fazendo sentido. É por isso que tantas obras antigas da I.G continuam funcionando, enquanto produções contemporâneas mais chamativas podem parecer presas ao momento em que foram feitas. As séries não dependem de um efeito de estúdio da moda para causar impacto. Sua força vem de conhecer aquilo que observam.

Psycho-Pass deixa o método claro

Psycho-Pass é o exemplo mais claro do método de trabalho do estúdio. É uma obra original, sem mangá como base, sem público garantido e sem nada preexistente ao qual precise ser fiel. Essa escolha já diz muito, pois a aposta comercial segura hoje é adaptar material que já comprovou seu valor. A equipe deixa esse argumento ainda mais claro. O design original dos personagens ficou com Akira Amano, a mangaká responsável por Katekyo Hitman Reborn! Essa sensibilidade não parece ter lugar em uma trama policial cyberpunk sombria, e é justamente por isso que a decisão funciona. Os rostos continuam bonitos e expressivos nos moldes de um shonen, mesmo enquanto o mundo ao redor apodrece. Sayo Yamamoto criou o storyboard e dirigiu a abertura, e mais tarde dirigiu Yuri!!! on Ice. Makoto Fukami cuidou dos roteiros durante quase toda a exibição. Naoyuki Onda sustentou a direção geral de animação na segunda metade. Não se tratava de impor um estilo padrão do estúdio a qualquer material que aparecesse. A equipe foi montada para responder a um problema específico: como fazer a justiça algorítmica parecer concreta? Ao longo dos 2 cours, Akane Tsunemori, Shinya Kougami e Shougo Makishima funcionam menos como personagens convencionais e mais como 3 argumentos concorrentes sobre o significado da justiça. O conflito entre eles torna as ideias da série palpáveis e lhes dá consequências. Cada escolha importante na equipe contribui para essa tarefa de um ângulo diferente. Psycho-Pass tem uma aparência própria porque a I.G reuniu pessoas adequadas à sua questão central, não porque o estúdio exigiu que a série se parecesse com sua produção anterior.

A variedade é parte do negócio

A maioria dos estúdios constrói sua reputação repetindo um ponto forte até que ninguém o faça melhor, e então protege esse território. A I.G apostou no oposto e colhe os frutos há décadas. O cyberpunk pertence ao estúdio de várias maneiras. Ghost in the Shell consolidou essa posição internacionalmente. Ghost in the Shell: Stand Alone Complex mostrou que o nível de produção do cinema podia ser mantido ao longo de uma série de TV. Depois, Psycho-Pass levou esse legado a uma trama policial centrada em vigiar intenções antes que um crime aconteça. Os esportes também pertencem à I.G repetidas vezes, com Haikyu!!, Kuroko's Basketball, Run with the Wind e Welcome to the Ballroom. Cada título exige um tipo diferente de movimento e uma forma diferente de tornar os corpos compreensíveis em cena, mas todos se beneficiam do mesmo hábito de observação atenta. A variedade continua crescendo além dessas duas áreas. Jin-Roh é um verdadeiro filme de arte com uma contagem de corpos. Heavenly Delusion é um mistério pós-apocalíptico com alguns dos melhores cenários dos últimos tempos. Uzumaki é terror. Kaiju No. 8 é um shonen blockbuster sem pedir desculpas por isso. Pouquíssimas produtoras podem apontar obras marcantes em 4 gêneros ao mesmo tempo. A I.G consegue porque nunca criou uma aparência fixa que precisasse proteger. Um estilo característico ajuda dentro de um gênero e vira um obstáculo no seguinte. O método pode passar de uma cidade cyberpunk a uma quadra de vôlei porque começa perguntando do que o novo assunto precisa. Hábitos estéticos não transitam com a mesma facilidade. A ausência de uma aparência reconhecível na I.G está, portanto, diretamente ligada à sua variedade extraordinária, e não é prova de que o estúdio não tenha identidade.

A melhor objeção: estúdios discretos passam despercebidos

Há uma objeção forte a esse argumento. O WIT Studio foi fundado por produtores da Production I.G sob a mesma empresa controladora. Recebeu uma obra gigantesca em Attack on Titan e se tornou conhecido do grande público quase imediatamente. Depois desse sucesso, o WIT lançou Vinland Saga, Ranking of Kings, Great Pretender e Vivy: Fluorite Eye's Song, além de participar de Spy x Family. Uma empresa nascida da própria família corporativa da I.G a ultrapassou em reconhecimento público logo na primeira tentativa. Esse resultado põe em xeque qualquer grande afirmação sobre a força da abordagem da I.G. O anonimato tem custos reais. Quando o público não consegue imaginar um estúdio, o nome da empresa conquista pouca fidelidade entre os fãs. Ele não recebe automaticamente o benefício da dúvida quando uma temporada tropeça, e seu nome tem menos peso quando um mangá disputado vai a leilão. Um estúdio sem estilo fixo também não está protegido do fracasso. Guilty Crown é uma produção belíssima da I.G construída em torno de um roteiro que nunca consegue amarrar tudo direito. A objeção acerta sobre a fama, mas confunde fama com a medida da qualidade do trabalho. O reconhecimento do público tende a acompanhar as obras. A I.G construiu seu modelo em torno de outro tipo de sucesso: a capacidade de continuar sendo contratada em qualquer gênero por tempo indeterminado. Essa força se acumula lentamente e atrai menos atenção do que um título que estoura. Também é muito mais difícil perdê-la. A rápida visibilidade do WIT mostra do que a I.G abriu mão ao manter sua identidade flexível. Isso não prova que a flexibilidade tenha sido um erro. Mostra o preço exato da escolha.

Acompanhe os créditos, não apenas o logotipo

O resultado prático de tudo isso é uma maneira melhor de decidir o que assistir. O logotipo de um estúdio dá uma indicação geral. Os nomes individuais nos créditos dão pistas bem mais precisas. Às vezes, um trecho de uma série de repente se torna mais ousado. A câmera desce, o ritmo fica mais preciso ou uma cena tranquila ganha um espaço que a trama não exigia necessariamente. Essas mudanças geralmente vêm de um artista de storyboard ou diretor de episódio que recebeu verdadeira liberdade de criação, e o nome dessa pessoa passa na tela alguns minutos depois. A Production I.G recompensa quem presta atenção nesses nomes porque a ausência de um estilo uniforme do estúdio deixa a autoria individual visível. Não há uma fórmula visual dominante que molde todas as contribuições da mesma maneira. O que você vê muitas vezes é o julgamento particular das pessoas encarregadas daquele episódio ou sequência. Comece pela parte da variedade do estúdio que combina com seu gosto. Escolha Psycho-Pass para ver a I.G em sua versão mais questionadora. O anime está disponível legalmente no Crunchyroll, Hulu, Netflix e Tubi, e há uma série de continuação esperando por você se esse mundo o conquistar. Escolha Haikyu!! se preferir alegria a inquietação. Vá de Ghost in the Shell para conhecer o marco que fez o resto do mundo levar o meio a sério. São 3 experiências completamente diferentes de uma mesma produtora. Suas diferenças revelam mais sobre o estúdio do que qualquer aparência em comum poderia revelar. Quando você pega o hábito de ler os créditos, a I.G deixa de parecer anônima. Sua identidade aparece no cuidado com que cada produção entende seu próprio assunto.

Perguntas frequentes