Steins;Gate im Review: Die beste Zeitreisegeschichte im Anime

Die Geschichte und ihre Regeln

Die Geschichte beginnt mit einer kaputten Taschenuhr und einer SMS, die ankommt, bevor sie abgeschickt wurde. Okabe und die anderen Mitglieder des Zukunftsgadget-Labors, darunter der Hacker Daru und die fröhliche Mayuri, entdecken, dass ihre improvisierte Telefonmikrowelle Nachrichten in die Vergangenheit schicken kann. Jede davon verändert den Lauf der Geschichte um ein paar Minuten. Zunächst gehen sie spielerisch damit um und kommen auf Ideen wie die, eine schlechte Note rückgängig zu machen. Die Stimmung wird düsterer, als sie begreifen, dass auch jemand anderes diese Fähigkeit haben will, und sich fragen, was eine zwielichtige Organisation mit der Kontrolle über die Zeit anstellen könnte. Auf dem Papier klingt die Prämisse vertraut. Die Geschichte lässt sie alles andere als gewöhnlich wirken. Kleine Details, die zu Beginn unwichtig erscheinen, kehren viel später mit brutalen Folgen zurück. Die Serie erneut zu sehen, kann sich anfühlen, als würde man dasselbe Buch noch einmal lesen und dabei erst begreifen, wie grausam es die ganze Zeit war. Auch die Regeln der Zeitreise bleiben konsequent. Jede Nachricht in die Vergangenheit hat ihren Preis, und jede vermeintliche Reparatur beschädigt etwas anderes. Das Drehbuch gewährt den Figuren nie eine einfache Ausnahme. Sobald der wahre Einsatz klar wird, versperrt jeder neue Versuch, die Geschichte zu korrigieren, einen weiteren Fluchtweg. Was wie ein komisches Experiment aussah, ist zu einer Falle geworden, die sich die Figuren selbst gebaut haben.

Okabe, Kurisu und die Labormitglieder

Steins;Gate steht und fällt damit, ob Rintarou Okabe als Figur funktioniert, und die Geschichte vollbringt mit ihm eine schwierige Leistung. Zunächst erscheint er als unerträglicher Chuunibyou, der irre lacht, seinen Kittel schwenkt und an ein Telefon geht, das nie geklingelt hat. Bei diesen Auftritten nennt er sich „Hououin Kyouma“. Es wäre leicht zu erwarten, dass diese Kunstfigur irgendwann anstrengend wird. Stattdessen legt die Serie nach und nach den verängstigten und zutiefst loyalen jungen Mann hinter der Fassade frei. Seine Entwicklung gehört zu den besten Figurenbögen im Anime, weil sein großspuriges Auftreten nie einfach grundlos verschwindet. Es bricht unter dem Druck zusammen. Auch Kurisu Makise wird hervorragend behandelt. Anfangs wirkt sie wie eine kratzbürstige Neurowissenschaftlerin mit genialem Verstand, doch die Serie verleiht ihr weit mehr Tiefe, als diese Beschreibung vermuten lässt. Ihre Wortwechsel mit Okabe sind scharfzüngig und witzig, während sich die Verbindung zwischen ihnen in einem Tempo entwickelt, das jeden späteren Moment glaubwürdig macht. Mayuri bringt die unschuldige Wärme ein, die das Labor zusammenhält, und wird zum emotionalen Anker der Geschichte. Daru holt die Science-Fiction mit seiner schmuddeligen Art und seiner verblüffenden Kompetenz auf den Boden zurück. Auch Suzuha, Luka, Faris und Moeka bekommen Momente, die ihr eigenes Innenleben offenbaren, statt nur als Mittel zum Zweck der Handlung zu dienen. In der zweiten Hälfte fühlen sich die Labormitglieder wie eine Wahlfamilie an. Die Zuneigung des Publikums zu ihnen verleiht dem kommenden Leid seine Wucht.

Regie, Animation und Sound

White Fox hält die Produktion bewusst zurückhaltend. Regisseur Hiroshi Hamasaki verzichtet darauf, die Serie um spektakuläre Schaustücke herum aufzubauen. Er nutzt eine blasse, leicht ungesunde Farbpalette, die einen heißen Sommer in Akihabara bedrückend und traumartig wirken lässt. Das passt zu einer Geschichte über einen Mann, der daran zerbricht. Die Figurenanimation spart Bewegung, wo sie kann, doch Gesichter und Gesten bleiben ausdrucksstark. Sorgfältig nachgebildete Straßen von Akihabara verleihen dem Schauplatz ebenso körperliche Präsenz wie die Röhrenmonitore und das vollgestellte Chaos im Labor. Diese Technik sieht benutzt und nicht ausgestellt aus. Hamasaki verharrt oft so lange bei Stille oder einer statischen Bildkomposition, bis sich Unbehagen in der Szene ausbreitet. Wenn die Handlung anzieht, passt die Regie ihr Tempo an. Der Sound trägt noch mehr zur Wirkung bei. Kanako Itous Opening „Hacking to the Gate“ gehört zu den großen Anime-Openings, weil es sowohl das Grauen der Geschichte als auch ihre wachsende Dynamik einfängt. Takeshi Abos synthesizerlastige Musik lässt selbst in oberflächlich ruhigen Szenen Beklemmung aufkommen. Auch einzelne Geräusche zählen. Eine Tastatur klappert in einem sonst stillen Raum. Ein Röhrenmonitor summt. Ein billiges Handy vibriert, und plötzlich wirkt ein Alltagsgegenstand gefährlich. Die Gesamtwirkung ist leise und präzise. Steins;Gate weiß, dass Spannung oft schneller wächst, wenn die Produktion dem Drang widersteht, laut zu werden.

Warum sich die Zeitreisen anders anfühlen

Viele Anime spielen mit Zeitreisen, aber nur sehr wenige gehen mit derselben Disziplin und emotionalen Ehrlichkeit an das Thema heran. Steins;Gate interessiert sich für Besessenheit und Trauer, besonders für den Schaden, der entsteht, wenn jemand einen Verlust nicht akzeptieren will und das Universum jede Korrektur weiterhin zurückweist. Das System der „Weltlinien“ erfüllt eine echte dramatische Funktion, statt die Geschichte nur mit klugen Begriffen zu schmücken. Es bringt Okabe immer wieder in Situationen, in denen die Rettung eines Lebens ein anderes kosten kann, und bietet ihm keine saubere Antwort, mit der er sich der Verantwortung entziehen könnte. Schwächere Science-Fiction kann eine Zeitreise als Reset-Knopf benutzen. Diese Serie behandelt jedes Zurückdrehen der Zeit als Erfahrung, die eine Narbe hinterlässt, selbst wenn andere sich nicht mehr daran erinnern, was geschehen ist. Manche Folgen lassen sich nicht einfach wegoptimieren. Die Serie fragt auch, was von einem Menschen übrig bleibt, wenn die Bereitschaft, alles zu tun, sein Urteilsvermögen aufgerieben hat. Neben diesen großen Fragen fängt sie das raue, ganz eigene Gefühl der Otaku-Kultur an ihrem Schauplatz ein. Akihabara ist mit Imageboards und urbanen Legenden wie dem Mythos um John Titor verbunden, doch die Serie zeigt diese Kultur von innen, statt sie wie eine Kuriosität anzustarren. Ihre sorgfältig konstruierte Science-Fiction ist deshalb so wichtig, weil sie Figuren in die Falle lockt, die dem Publikum am Herzen liegen. Menschliche Verzweiflung gibt den Regeln Bedeutung, und die Regeln verwehren dieser Verzweiflung einen einfachen Ausweg.

Wo die Serie schwächelt und wo sie glänzt

Der Einstieg fordert tatsächlich Geduld. Die erste Hälfte ist so langsam erzählt, dass sie für manche Zuschauer zur Qual werden kann. Okabes übertriebene Nummer als verrückter Wissenschaftler soll zwar nerven, doch allein die Absicht macht sie noch nicht angenehm anzusehen. Der Laboralltag kann vor sich hin treiben, und mehrere Ausflüge zu einzelnen Figuren in der Mitte wirken beim ersten Sehen wie Füllmaterial. Spätere Entwicklungen rechtfertigen das meiste davon, doch während des Schauens kann das Publikum das noch nicht wissen. Auch der Humor ist stark an seine Entstehungszeit gebunden. Imageboard-Witze und grobe Otaku-Klischees tauchen oft auf, während manches holprige „Engrish“ schlecht gealtert ist. Sobald die Haupthandlung die Führung übernimmt, bekommen ein oder zwei Nebenfiguren weniger Aufmerksamkeit, als sie verdienen. Diese Probleme ruinieren die Serie nicht, und ein großer Teil der langsamen Passagen leistet notwendige Vorarbeit. Trotzdem solltest du als neuer Zuschauer wissen, dass Steins;Gate den Großteil seiner Belohnung für die zweite Hälfte aufspart. Was auf den langen Aufbau folgt, ist außergewöhnlich. Die Spannung steigt mit nahezu perfekter Kontrolle, und der Herzschmerz wirkt nie losgelöst von früheren Entscheidungen. Okabe und Kurisu bilden ein unvergessliches zentrales Paar. Vor allem löst das Finale eine schwierige Zeitreisehandlung auf, ohne die emotionalen Opfer zu entwerten, die zuvor gebracht wurden. Nur wenige Geschichten des Genres schaffen ein so befriedigendes Ende. Geduld ist gefragt, aber die anschließende Katharsis macht sie mehr als wett.

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