Cyberpunk: Edgerunners im Review: Triggers Neon-Tragödie

Die Geschichte und ihre Prämisse

David ist ein armer Junge, der sich in einer Stadt durchschlägt, die ihre Unterschicht in Einzelteile zerlegt. Als eine Tragödie ihm das Wenige nimmt, was er hat, trifft er die Entscheidung, die Night City belohnt: Er lässt sich Militärtechnik einbauen, für die sein Körper nie geschaffen war, und wird zum Söldner. Bald schließt er sich Maines Crew aus Edgerunnern an, gesetzlosen Söldnern, die jene Aufträge erledigen, mit denen die Konzerne nicht in Verbindung gebracht werden wollen. Die Prämisse funktioniert, weil sich die Serie Davids Aufstieg und Fall ganz verschreibt. Fast sofort macht sie klar, was für eine Geschichte du hier siehst. Sie eine Tragödie zu nennen, verrät weniger, als es das Versprechen der frühen Szenen bestätigt. Diese Offenheit verändert auch die Spannung. Sie entsteht daraus, David dabei zuzusehen, wie er immer weiter vorwärtsdrängt, selbst als die Richtung längst klar ist. In einem kompakten Cour rast die Handlung wie ein Fluchtwagen voran. Jeder Auftrag erhöht den Einsatz. Jeder Sieg fordert einen höheren Preis, während die Kluft zwischen Davids Traum und der Maschinerie, die ihn zermalmt, immer größer wird. Die Belohnungen halten nie lange genug an, um ihre Kosten auszugleichen. Nur wenige moderne Anime sind so straff konstruiert. Jeder Moment erfüllt einen Zweck, und das Tempo wirkt nie wie ein Vorwand für leere Betriebsamkeit.

Die Menschen, die den Schmerz ausmachen

David trägt die Serie, aber Lucy ist der Grund, warum ihre emotionale Wirkung anhält. Sie ist die Netrunnerin, die davon träumt, den Mond zu erreichen, und in David einen Ausweg aus Night City sieht, an dessen Existenz sie nicht mehr geglaubt hat. Ihre Romanze verleiht dem Chrom einen menschlichen Herzschlag, und der Schmerz, den sie verursacht, fühlt sich vollkommen verdient an. Die Beziehung funktioniert, weil der Traum von der Flucht für beide persönlich ist, auch wenn sie ihn unterschiedlich angehen. Um sie herum bildet Maines Crew eine schmuddelige Wahlfamilie. Rebecca ist der vorlaute kleine Gremlin, der fast jede Szene an sich reißt. Dorio ist standhaft, Pilar nervös, und Kiwi und Falco bleiben vorsichtig. Maine selbst übernimmt die Mentorrolle und liefert dir zugleich reichlich Gründe, Mentoren zu misstrauen. Über allen schwebt Adam Smasher, eine mörderische Wand aus Metall, die ohne ein Wort Angst einjagen kann. Die Figurenriege bleibt überschaubar genug, damit jeder Handlungsbogen klar erkennbar ist. Du verstehst jede Person und weißt genau, was sie verlieren könnte. Durch diese Klarheit haben auch die kleineren Rollen ihren festen Platz in der Crew. Wenn es zu Verlusten kommt, treffen sie wie Schläge in die Magengrube, weil die Figuren nie wie Spielfiguren wirken, die für die Handlung hin und her geschoben werden.

Animation und Sound

Hier gibt Trigger Vollgas. Regisseur Hiroyuki Imaishi, der energiegeladene Kopf hinter Gurren Lagann, Kill la Kill und Promare, nimmt Night City als Freibrief, jeden Sinneseindruck ans Limit zu treiben. Körper werden im unverkennbaren, gummiartigen Stil des Studios gedehnt und schnellen zurück. Kämpfe explodieren in Leuchtspurfeuer, spritzendem Blut und Kamerabewegungen, die physikalisch unmöglich scheinen. You Yoshinaris Charakterdesigns geben jeder Person eine Silhouette, die sofort erkennbar ist. Das ist wichtig, wenn die Action sich so schnell bewegt: Auf dem Bildschirm kann das Chaos ausbrechen, ohne dass die Figuren darin untergehen. Doch das handwerkliche Können hat mehr zu bieten als bloßen Lärm. Als David sich selbst zunehmend entgleitet, begräbt ihn die Animation unter überreizendem Neonlicht. Die Bilder zeigen seinen Verfall, statt diese Aufgabe allein dem Drehbuch zu überlassen, was die meisten Actionserien gar nicht erst versuchen. Der Exzess folgt seinem Gemütszustand, sodass Spektakel und Figurenentwicklung stets in dieselbe Richtung ziehen. Der Soundtrack setzt ebenso scharfe Akzente. Franz Ferdinands Opening strotzt vor Selbstbewusstsein, während eine Wand aus lizenziertem Synth-Pop und sorgfältig platzierten Songs wichtige Sequenzen eher wie Musikvideos als wie Fernsehen wirken lässt. Night City ist ganz bewusst hässlich, doch die Serie macht diese Hässlichkeit erstaunlich schön, ohne auch nur etwas von ihrem Dreck abzuschleifen.

Die Ideen unter dem Chrom

Nimmt man die Waffen weg, wird Edgerunners zu einer Geschichte über den Preis der Selbstoptimierung in einer Gesellschaft, die nur schätzt, was du dir an den Körper schrauben kannst. Jedes Implantat, das David sich einsetzen lässt, gibt ihm etwas mehr Macht und zehrt zugleich etwas mehr von dem Menschen auf, der er einmal war. Sein Fortschritt und seine Zerstörung sind also untrennbar verbunden. Die Cyberpsychose, die diese Welt heimsucht, macht den Preis der Statusjagd am eigenen Leib zu einem buchstäblichen Krankheitszustand. Der Kommentar zu Klassenverhältnissen ist wütend und klar formuliert, selbst wenn er als Actionspektakel daherkommt. Konzerne funktionieren wie Götter. Die Armen werden zum Rohmaterial, und Ehrgeiz dient als Falle, die Menschen dazu bringt, sich freiwillig ins Mahlwerk zu begeben. Das System muss nicht verbergen, was es tut, weil die Hoffnung ihm immer neue willige Opfer zuführt. Edgerunners verehrt ganz offensichtlich Cyberpunk-Klassiker wie Akira und Ghost in the Shell, doch seine Zärtlichkeit verleiht ihm eine andere Stimmung. Ein Großteil des Genres bleibt kalt. Diese Geschichte hält an ihrer Wärme fest, bis es nicht mehr geht, und genau das macht die Abwärtsspirale so schwer erträglich. Ihre Tragödie begnügt sich nicht mit provokantem Nihilismus. Sie legt dar, dass eine so aufgebaute Welt bestimmte Menschen immer zuerst verschlingen wird.

Wo die Serie glänzt und wo sie stolpert

Die Serie ist so stark, weil hinter ihrem Vorwärtsdrang echte Gefühle und außergewöhnliches handwerkliches Können stehen. Sie trifft dich mit der Wucht eines Güterzugs und schließt dann mit einem Ende, das sich seine ganze niederschmetternde Wirkung verdient. Rebecca allein rechtfertigt fast schon den Eintrittspreis. Ihre Schwächen entstehen aus demselben Tempo, das sie so mitreißend macht. Das halsbrecherische Tempo treibt die Handlung unaufhaltsam voran, aber einige Crewmitglieder bleiben Skizzen statt voll ausgearbeiteter Menschen. Am Ende wünschst du dir vielleicht, die Serie hätte ihnen noch einen Handlungsbogen gewidmet, bevor sie sie dir nimmt. Mehr Zeit hätte diese Abschiede gewichtiger gemacht, ohne die Richtung der Handlung zu ändern. Außerdem setzt die Serie oft genug auf unnötige Nacktheit und explizite Gewalt, dass beides manchmal eher wie eine stilistische Angewohnheit als eine bewusste Entscheidung wirkt. Das gelegentliche Ecchi-Augenzwinkern passt schlecht zu den aufrichtigen Emotionen der Geschichte, besonders wenn das Geschehen drumherum ernst genommen werden will. Auch die Brutalität ist real: Der Body Horror lässt sich nicht als bloße Dekoration abtun. Wer eine langsame Charakterstudie sucht oder Splatter nicht erträgt, könnte die Serie rundheraus ablehnen. Neben einem Werk, das mit so viel Kontrolle und Überzeugung geschaffen wurde, wirken diese Probleme dennoch gering.

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