Chainsaw Man im Test: Blut, Gedärme und ein schlagendes Herz

Geschichte und Ausgangslage

In Chainsaw Man entstehen Teufel aus menschlicher Angst, und sie zu jagen ist ein düsterer Job, für den es immerhin ein Gehalt gibt. Denji betritt diese Welt als Niemand. Der mittellose Teenager arbeitet die erdrückenden Yakuza-Schulden seines Vaters ab und schlägt sich als inoffizieller Teufelsjäger durch. Sein einziger Gefährte ist Pochita, ein Teufelshund mit einer Kettensäge als Nase. Denji träumt weder von Ruhm noch davon, die Menschheit zu retten. Er will einen vollen Magen, ein warmes Bett und ein Mädchen, das vielleicht seine Hand hält. Diese winzigen Wünsche zeigen dir genau, wie wenig das Leben ihm gegeben hat. Nach einem Verrat liegt Denji verblutend im Müll, und Pochita verschmilzt mit seinem sterbenden Körper. Denji kehrt als Chainsaw Man donnernd zurück, mit einem Starterseil, das aus seiner Brust ragt. Die Ausgangslage klingt reißerisch, und die Serie liefert das versprochene Blut nur zu gern. Denji selbst nimmt sie dagegen viel ernster. Sein Weg ähnelt dem eines streunenden Hundes, dem ein Zuhause angeboten wird, nicht dem eines klassischen Helden auf großer Mission. Sein Hunger nach Essen und Berührung ist untrennbar mit seiner Suche nach Sinn verbunden. Dieser Hunger speist den Horror der Geschichte, gibt dem Chaos aber auch einen menschlichen Puls.

Die Figuren, die der Serie ihr Herz geben

Die Figuren machen aus der starken Ausgangsidee von Chainsaw Man eine Serie, an der man hängt. Denji ist ein seltener Shonen-Protagonist, der kein Interesse daran hat, sich edel zu geben. Er ist hungrig, geil und macht offen keinen Hehl daraus, dass er Gegenleistungen erwartet. Weil die Serie ehrlich mit diesen Eigenschaften umgeht, ist es wirklich bewegend, wie er sich nach und nach etwas annähert, das Liebe ähnelt. Makima, die beherrschte Mitarbeiterin der öffentlichen Sicherheit, die ihn aufnimmt, übt sofort eine Anziehungskraft aus und strahlt ebenso viel Gefahr aus. Jede Freundlichkeit, die sie Denji entgegenbringt, lässt sich auch als weiterer Zug an der Leine lesen. Die Serie tut gut daran, diese Spannung nicht zu früh aufzulösen. Power ist ein selbstverliebter Blut-Fiend, der so selbstverständlich lügt, wie er atmet. Sie wird Denjis unerwartete Mitbewohnerin und gehört zugleich zu den großen Anime-Figuren, die Komik und Tragik miteinander verbinden. Aki Hayakawa ist der erschöpfte, ranghöhere Jäger, der eine persönliche Fehde mit dem Schusswaffenteufel austrägt. Seine Anständigkeit und seine Trauer geben der Gruppe ein moralisches Zentrum, ohne ihn langweilig zu machen. Selbst Pochita, der fast nie spricht, verankert die emotionalen Konflikte. Diese verletzten Menschen werden in einer überfüllten Wohnung allmählich zu einer stacheligen, gewalttätigen Wahlfamilie. Sie gehen einander auf die Nerven, sind aufeinander angewiesen und beginnen schließlich, einander etwas zu bedeuten. Diese Verbindung ist das schlagende Herz, das der Titel verspricht, und der Schmerz, den sie verursacht, fühlt sich verdient an.

Animation, Regie und Sound

MAPPA hat eine bewusste Entscheidung getroffen, die das Publikum spaltete: Chainsaw Man ist wie ein Realfilm inszeniert statt wie eine typische Shonen-Adaption. Die Farben sind entsättigt und wirken geerdet. Die Kamera setzt oft auf Bildkompositionen wie aus der Handkamera, während sich alltägliche Szenen in langen, geduldigen Einstellungen entfalten. Beim Design der Teufel stand echter Body-Horror im Vordergrund, nicht bloß gefälliges Spektakel. Sobald ein Kampf beginnt, weicht die Zurückhaltung einer Action, die sich wirklich wuchtig und fleischlich anfühlt. In den besten Einstellungen wird Denji zu einem heranstürmenden, verschwommenen Wirbel aus Klingen, und das Sounddesign macht jedes Aufheulen der Kettensäge und jeden feuchten Aufprall körperlich spürbar. Die Filmmusik bleibt über weite Strecken düster und zurückhaltend und schlägt dann kräftig zu, wenn eine Szene es verlangt. Auch musikalisch gibt es zwei bemerkenswerte Entscheidungen. Das Opening wurde zu einem sofort ikonischen Chart-Hit. Fast jede Woche gab es eine neue Ending-Sequenz von einem anderen Künstler und in einem anderen Stil, eine klare Liebeserklärung an die japanische Musik. Die Produktion ist aufwendig und souverän, und ihre sorgfältige Ausarbeitung zeigt sich in ruhigen Alltagsszenen ebenso wie in großen Kämpfen. Ob diese kühle, filmische Distanz zur manischen Energie des Mangas passt, bleibt die Frage, die die Fangemeinde spaltete. Ich verstehe beide Reaktionen. Der Ansatz gibt dem Anime eine eigene Identität, verändert aber auch das Tempo und den komischen Biss von Fujimotos Werk.

Kontrolle, Verlangen und die Identität der Serie

Hinter all dem Blut kehrt Chainsaw Man immer wieder zu Kontrolle und Verlangen zurück. Denji wurde sein Leben lang ausgenutzt. Die Schulden seines Vaters halten ihn gefangen, die Yakuza beutet ihn aus, und dann drückt ihm der Staat für einen Gehaltsscheck eine Waffe in die Hand. Wann immer ihm Zuneigung angeboten wird, lässt die Geschichte Raum für die Frage, ob sie echte Fürsorge ist oder ein bequemerer Käfig. Tatsuki Fujimoto bettet diese Idee in eine Shonen-Machtfantasie ein und gibt uns dann einen Helden, dessen Träume schmerzlich bescheiden sind. Denjis Wünsche legen ganz leise offen, wie wenig die Welt ihm je zu erwarten erlaubt hat. Armut und Einsamkeit prägen jede seiner Entscheidungen. Sich überhaupt etwas zu wünschen, wird beängstigend, weil das Verlangen anderen Menschen einen Griff bietet, an dem sie packen können. Die Serie besitzt auch einen ungewöhnlichen Mut beim Tonfall. Eine Szene kann als Slapstick beginnen, in einen Albtraum kippen und ohne Vorwarnung das Herz brechen. Diese Übergänge wirken nicht immer geschmeidig, aber Geschmeidigkeit wäre für diese Figur und diese Welt fehl am Platz. Nur sehr wenige Serien trauen sich, so eklig zu sein und Traurigkeit gleichzeitig so ernst zu nehmen. Noch weniger würden einem Teenager mit Kettensägenkopf zutrauen, beides zu tragen. Chainsaw Man verändert ständig seine emotionale Temperatur, und diese Rastlosigkeit ist das deutlichste Merkmal seiner Identität.

Was funktioniert und was nicht

Die Stärken von Chainsaw Man sind leicht zu erkennen. Die Figuren sind furchtlos geschrieben, die visuelle Identität ist unverkennbar und die Sprecherleistungen sind erstklassig. Unter der Action verläuft eine emotionale Strömung, wie viele Serien des Genres sie gar nicht erst versuchen. Die makellose Ausarbeitung hat allerdings ihren Preis. MAPPAs gedämpfte, filmische Regie funktioniert für manche Zuschauer wunderbar, andere finden jedoch, dass sie dem Manga seine rohe, manische Energie nimmt. Witze, die auf der Seite zündeten, kommen auf dem Bildschirm manchmal sanft und langsam daher. Das bedächtige Tempo kann sich flach anfühlen, wo es kontrolliert wirken soll. Das erklärt mit, warum Puristen die entfesselte Dynamik von Fujimotos Panelgestaltung vermissten. Stellenweise ist auch CGI sichtbar, die sich nicht immer harmonisch in die handgezeichneten Bilder einfügt. Dazu kommt ein größeres strukturelles Problem. Diese Staffel dient als Prolog und adaptiert nur den Anfang einer viel größeren Geschichte. Sie endet mit dem Aufbau weiterer Handlung, statt einen befriedigenden Handlungsbogen abzuschließen. Als Neuling kann man das Gefühl haben, dass die Serie genau in dem Moment aufhört, in dem sie ihren Tritt gefunden hat. Die abrupten Tonwechsel sind ein weiterer Streitpunkt. Ich finde diese Unbeständigkeit aufregend, aber wer eine durchgehend einheitliche Stimmung sucht, könnte sie als anstrengend empfinden. Das ist eine hervorragende Adaption mit einer klaren eigenen Sichtweise. Sie ist nicht der makellose Volltreffer, den der Hype versprochen hat, und ihre interessantesten Entscheidungen sind zugleich die Quelle ihrer deutlichsten Schwächen.

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