Wit Studio und die Kunst, Risiken einzugehen

Ein Konzept, das der Markt nicht wollte

Schau dir an, was der Markt belohnte, als Vinland Saga entstand. Reinkarnationsfantasien über übermächtige Helden waren die sicherste Einnahmequelle der Branche. Meine Wiedergeburt als Schleim in einer anderen Welt, Re:Zero und Mushoku Tensei: Jobless Reincarnation waren darauf ausgelegt, Zuschauer innerhalb der ersten Stunde zu packen und sich danach immer weiter zu steigern. Wit entschied sich stattdessen für den Seinen-Manga von Makoto Yukimura. Dessen Welt besteht aus dem mittelalterlichen England und der kalten Nordsee, die Figuren sind überwiegend erwachsene Männer. Der Stoff handelt von Schlamm, Blut und Politik. Es gibt keine Romanze, die die Handlung vorantreibt, und die Hauptfigur ist die meiste Zeit über eine ausgesprochen unangenehme Gesellschaft. Mit der Adaption dieser Geschichte hätte sich ein Studio kaum weiter von aktuellen Trends entfernen können. Vinland Saga ist dabei kein glücklicher Ausnahmefall, sondern Teil eines größeren Musters. Ranking of Kings verbirgt eine brutale Geschichte hinter einer Bilderbuchoptik, und sein Protagonist kann keinen Kampf gewinnen. Great Pretender ist eine Gaunerkomödie, ein Genre, das in der Anime-Branche kaum finanziert wird. Vivy: Fluorite Eye’s Song ist ein Original ohne Manga als Sicherheitsnetz, genau wie der Film Bubble. Die Braut des Magiers ist ruhig und gemächlich, weil die Geschichte es so will. Bei all diesen Projekten investiert Wit immer wieder Zeit und Geld in Ideen, deren Reiz sich nicht in einer kurzen Vorstellung erschließt. Dieses Muster sagt mehr über das Studio aus als jeder wiederkehrende visuelle Kniff.

Eine lange Wartezeit, die sich auszahlt

Vinland Saga trägt den Namen eines Ortes im Titel, doch in diesem Abschnitt erreicht die Geschichte ihn kaum. Diese Entscheidung zeigt genau, wie die Serie mit Zeit und Erwartungen umgeht. Die Rachegeschichte ist darauf angelegt, auseinandergenommen statt erfüllt zu werden. Damit das etwas bedeutet, muss die Serie sich diese Wirkung über volle zwei Cours hinweg verdienen. Die Idee anzudeuten und früh aufzulösen, würde der Aussage ihre Kraft nehmen. Hiroshi Seko ist für die Serienkomposition und die Drehbücher verantwortlich, und das große Risiko liegt in der Struktur, an der er festhält. Die Adaption rafft weder die moralischen Grundlagen zusammen, noch greift sie einem späteren Höhepunkt vor, um dem Mittelteil künstlich Auftrieb zu geben. Sie vertraut darauf, dass jede Phase der Geschichte für sich trägt. Der erste Abschnitt von Attack on Titan verfolgte eine verwandte Strategie in einem ganz anderen Tempo. Er gibt sich als Belagerungsgeschichte aus und hält dabei sein eigentliches Thema viel länger verborgen, als es die meisten Serien mit einem unmittelbaren Aufhänger wagen würden. Ranking of Kings nutzt die Kluft zwischen seiner märchenhaften Optik und seiner Grausamkeit auf ähnliche Weise. In jedem dieser Fälle erfüllt das Hinauszögern einen echten Zweck. Es ist keine bloße Eigenheit, die sich entfernen ließe, ohne die Geschichte zu verändern. Wenn die angestrebte Auflösung so weit entfernt ist, muss jede Stunde auf dem Weg dorthin für sich fesseln. Das ist schwieriger, als jede Woche ein neues Spektakel zu liefern, und Wit nimmt diese Aufgabe an, ohne den Stoff zu einer leichteren Belohnung zu drängen.

Vertrauen in die Figuren statt den Helden zurechtzubiegen

Thorfinn Karlsefni ist der Protagonist, doch über weite Strecken dieses Abschnitts handelt er eher wie eine Waffe als wie ein Mensch. Er ist verwildert und einsilbig, gefangen im Bann eines Duells, das er gegen den Söldner, der ihm seinen Vater genommen hat, nicht gewinnen kann. Eine kommerziell vorsichtige Adaption würde diese Eigenschaften nach ein paar Stunden abschleifen, aus Sorge, das Publikum könnte die Geduld verlieren. Wit lässt ihn schwierig bleiben und überlässt es zu einem großen Teil den Menschen um ihn herum, die Serie unmittelbar reizvoll zu machen. Askeladd bringt die Intelligenz mit, die die Handlung vorantreibt. Der Mörder von Thorfinns Vater ist so sorgfältig geschrieben, dass man am Ende wider besseres Wissen mit ihm mitfiebern kann. Canute Svenson tritt zunächst als ängstlicher Prinz auf und entwickelt sich dann zur interessantesten Figur dieses Abschnitts. Auf dem Papier ist das die Wandlung einer Nebenfigur. Thors Snorresson formuliert früh die moralische Kernaussage der Serie und wird dann aus dem Spiel genommen. Von da an muss diese Aussage durch Menschen, die nie daran geglaubt haben, erneut erarbeitet werden. Thorkell bringt die Freude mit, die eine so düstere Geschichte braucht, ohne den größeren Konflikt leichter wirken zu lassen, als er ist. Die Serie verlangt vom Publikum, sein Herz an diese Figuren um den Helden herum zu hängen, während er selbst bewusst schwer zu mögen bleibt. Das ist keine Nebenwirkung der Adaption. Es ist das Wagnis, das dem Ende seine Kraft verleiht. Indem Wit Thorfinn nicht vorzeitig zu einer zugänglicheren Hauptfigur macht, lässt das Studio die anderen Charaktere zum Grund werden, weshalb man dabeibleibt, und bewahrt zugleich die Form seiner Geschichte.

Wetter, harte Arbeit und Gewalt ohne Glanz

Yuusuke Takedas Art Direction zeigt, wofür das Geld der Produktion ausgegeben wird, und es ist nicht das, worin eine auf Hits ausgerichtete Serie normalerweise investieren würde. Schnee, Meer, Schlamm und graues Tageslicht lassen das Wetter des Nordens körperlich spürbar werden. Die Umgebung ist präsenter als die meisten Figuren, sodass sich Reisen und Gewalt nie vom kalten Boden unter ihnen losgelöst anfühlen. Kämpfe werden als harte Arbeit inszeniert, nicht als Choreografie. Sie wirken schwer und hässlich, die Erschöpfung erinnert eher an Feldarbeit als an ein Best-of. Damit lehnt die Serie bewusst jene Art von Action ab, die sich allein durch kurze Clips am besten vermarkten ließe. Die Wahl des Personals unterstreicht dieselbe Priorität. Shinji Ochi steuert Key Animation zum Opening und zu einem der herausragenden Abschnitte der Serie bei. Satoshi Kadowaki ist bei mehreren ihrer schwerwiegendsten Episoden als Animationsregisseur tätig, darunter auch bei der letzten. Tadahito Matsubayashi zeichnet das Storyboard für dieses Finale und führt Regie. Die Produktion setzt ihr Talent für emotionales Gewicht ein, statt Spektakel automatisch zum Ziel ihrer stärksten Künstler zu machen. Eine tatsächliche Einschränkung gibt es allerdings. Die Schiffe und Teile der Meeresdarstellungen entstehen am Computer, und wer darauf achtet, erkennt den Übergang zwischen diesen Elementen und dem gezeichneten Material. An dieser Stelle wirkt die visuelle Beschaffenheit der Serie weniger überzeugend. Das schmälert nicht die Stärke von Takedas Arbeit, verhindert aber, dass die Produktion völlig einheitlich wirkt, sobald die Schiffe eine Szene tragen müssen.

Der stärkste Kritikpunkt: Wit bringt seine Projekte nicht zu Ende

Das stärkste Gegenargument zu dieser Sicht hat wenig mit persönlichem Geschmack zu tun. Es geht darum, Projekte zu Ende zu bringen. Wit schafft wegweisende Adaptionen, dann führen andere Studios sie zum Abschluss. Das Finale von Attack on Titan ging an MAPPA, ebenso die Fortsetzung von Vinland Saga. Fullmetal Alchemist: Brotherhood bleibt der Goldstandard für Werktreue bei Adaptionen, weil ein Studio zurückkehrte und die gesamte Geschichte bis zur letzten Seite angemessen umsetzte. Verglichen damit kann es großzügig klingen, Wit als risikofreudig zu bezeichnen: Das Unternehmen steigt aus, sobald es das Publikum aufgewärmt hat und der schwierigste Teil der Fortsetzung beginnt. Die sichtbaren Übergänge bei den CG-Elementen sind eine weitere Schwäche dieser Argumentation. Auch Prestige kann zur eigenen Komfortzone werden, gerade wenn das Publikum schwierige Vorlagen als Teil der Marke eines Studios begreift. Diese Kritik hat Gewicht, doch es gibt 2 überzeugende Antworten. Erstens kommt es seltener vor, dass jemand beweist, wie ein unmodernes Konzept funktionieren kann, als dass ein Projekt mit bereits gefundenem Publikum abgeschlossen wird. Die Fortsetzungen, die heute so viele genießen, gibt es nur, weil Wit zuerst gezeigt hat, dass Wikinger und eine aufgeschobene Katharsis das Publikum fesseln können, als noch niemand wusste, ob die Idee aufgehen würde. Das Studio trug die Unsicherheit zu dem Zeitpunkt, als ein Scheitern am leichtesten vorstellbar war. Zweitens beweist Spy x Family, dass Wit Geld drucken kann, wann immer es das beschließt. Die schwierigeren Stoffe sind also eine bewusste Entscheidung und kein Zeichen begrenzter Möglichkeiten. Wit bleibt vielleicht nicht immer bis zum Ende dabei, doch seine Bereitschaft, diese Projekte anzufangen, verändert trotzdem, welche Geschichten überhaupt eine Chance auf Fortsetzung bekommen.

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