Wie sich Magical-Girl-Anime von Sailor Moon bis Madoka verändert haben

Das Grundgerüst, das bis heute alle nutzen

Beginnen wir mit der Form, die Naoko Takeuchis Manga bei Toei Animation unter der Regie von Junichi Satou annahm. Ihr Aufbau ist bereits das Argument. Sie übernimmt die bewährte Grundsprache von Tokusatsu und Sentai: ein farbcodiertes Team, ein Verwandlungsritual, namentlich ausgerufene Attacken und jede Woche ein neues Monster, das besiegt werden muss. Dann überträgt sie all das auf Mittelschülerinnen und nimmt ihre alltäglichen Sorgen ernst. Usagi Tsukino verschläft und verhängt Prüfungen. Ami Mizuno lernt, während Rei Hino sich um einen Schrein kümmert. Makoto Kino und Minako Aino vervollständigen eine Gruppe, die zwischen ihren Einsätzen zur Rettung der Welt streitet, isst und für Mamoru Chiba schwärmt. Diese Szenen sind keine Pausen, in denen die Handlung auf ihre Fortsetzung wartet. Sie zeigen das Leben, das die Mädchen laut Handlung beschützen sollen. Luna und Artemis dienen als Mentoren in Gestalt sprechender Katzen. Das klingt nach einem niedlichen Einfall, löst aber ein echtes erzählerisches Problem: Die Serie kann ihre Hintergrundgeschichte erklären, ohne den Mädchen eine erwachsene Autoritätsperson vorzusetzen. Hausaufgaben und kosmische Gefahr werden auf derselben dramatischen Ebene behandelt, keines von beiden als unecht oder unwichtig abgetan. Diese Kombination wurde zum Grundgerüst für alles, was folgte. Jede spätere Magical-Girl-Serie hat es entweder direkt genutzt oder seine Ablehnung zum Teil ihres Konzepts gemacht.

Die Dunkelheit war von Anfang an da

Die gängige Erzählung geht davon aus, dass das Genre in Pastellfarben blieb, bis ein späterer Schöpfer den Mut fand, an der Oberfläche zu kratzen. Ein genauer Blick auf das Original macht diese Behauptung schwer haltbar. Queen Beryl und Queen Metalia sind keine flüchtigen Monster der Woche. Ihre Geschichte ist ein andauernder Krieg mit einer steigenden Zahl von Todesopfern. Rache und Gehirnwäsche stehen neben Körperhorror, Wiedergeburt und einem Neuanfang, der seinen Preis hat. Sailor Moon bringt all das in einem familienfreundlichen Sendeplatz unter, weil Kinderfernsehen damals traurig sein durfte. Die Serie behandelt diese Traurigkeit nie als peinlichen Bruch mit ihrem eigentlichen Ton. Sie arbeitet auf sie hin. Ich verrate das Ende des ersten großen Handlungsbogens nicht, aber niemand sollte erwarten, dass am Schluss alle Beteiligten das Geschehene einfach weglachen. Die Wirkung des Finales baut sich mit jedem Monster weiter auf, auch während Usagi eine Mathearbeit verhängt und die Komik genau das tut, was sie soll. Der Alltag hebt den Schmerz nicht auf. Er gibt ihm einen Ort, an dem er ankommen kann. Wer sagt, spätere Dekonstruktionen hätten erst Konsequenzen in Magical-Girl-Anime gebracht, offenbart damit meist eine Erinnerungslücke. Viele haben Sailor Moon seit ihrem neunten Lebensjahr nicht mehr gesehen und erinnern sich deshalb deutlicher an die Farben als daran, was die Geschichte sie tatsächlich fühlen ließ.

Die Verwandlung zeigt, woran eine Serie glaubt

Jedes Mal, wenn eine Magical-Girl-Serie ihre Henshin-Sequenz zeigt, verrät sie, wie sie Macht versteht. Wer die Sequenz als wiederverwendetes Filmmaterial abtut, übersieht, was die Wiederholung bewirkt. Das Mädchen vollzieht jedes Mal dasselbe Ritual und entscheidet sich erneut für seine Rolle. Das macht den Moment zu einer Art Liturgie, nicht zu einem schnellen Kostümwechsel. Wer verfolgt, wie eine Serie mit dieser wiederholten Entscheidung umgeht, versteht einen großen Teil des Genres. Kill la Kill macht das Ritual zu einer Konfrontation mit Entblößung und Scham und weigert sich dann, das dadurch erzeugte Unbehagen aufzulösen. Little Witch Academia rückt Übung und Scheitern ins Zentrum der Magie. Die aufschlussreichen Momente sind der Besen, den du immer noch nicht fliegen kannst, und der Zauber, den du vor allen vermasselst. Witch Hat Atelier und Wandering Witch: The Journey of Elaina betrachten Magie als ein Handwerk mit Regeln, Lehrzeiten und etwas, das einer Laufbahn ähnelt. Keine dieser Entscheidungen ist bloße Kosmetik. Wo eine Geschichte den Preis für die Verwandlung ansetzt, verrät, was Macht ihrer Ansicht nach bewirken soll. Sailor Moon verortet diesen Preis in Pflicht und Liebe. Die Dekonstruktionen machen daraus einen Handel, dessen Bedingungen niemand genau genug geprüft hat. Sie nehmen unterschiedliche Haltungen ein, beantworten aber weiterhin eine Frage, die die ursprüngliche Form sichtbar gemacht hat.

Das Publikum veränderte sich vor dem Genre

Das Publikum wurde älter und die Animeindustrie folgte ihm ins späte Nachtprogramm. Dieser Wechsel erklärt die düsterere Richtung viel besser als die Behauptung, Magical-Girl-Anime seien endlich erwachsen geworden. Cardcaptor Sakura zeigt, wie der natürliche nächste Schritt nach der ursprünglichen Vorlage aussah. Die Serie strebte nicht nach mehr Dunkelheit. Sie verfeinerte die Form, bewahrte die Aufrichtigkeit, verbesserte das Handwerk und hielt die Einsätze bewusst auf einer menschlichen Ebene. Eine düsterere Variante wird möglich, sobald eine Serie davon ausgehen kann, dass ihr Publikum die Sprache bereits kennt. Madoka präsentiert ein Maskottchen, einen Vertrag und ein Kostüm im Vertrauen darauf, dass die Zuschauer erkennen, was diese Dinge normalerweise versprechen. Anschließend kann die Serie dieses Wiedererkennen gegen sie verwenden. Die Wirkung hängt von einem Publikum ab, das mit der Grundsprache des Genres aufgewachsen ist, von Menschen, die spüren, wie die Regeln verbogen werden, bevor jemand erklärt, was sich verändert hat. Das ist weniger so, als hätte ein Genre eine Seele bekommen, und viel mehr so, als hätten seine Zuschauer eine zweite Sprache gelernt. Schau beide Arten von Serien mit einem Kind und der Unterschied wird leicht erkennbar. Die eine kann aus sich heraus ihre volle Wirkung entfalten. Die andere verliert viel von ihrer Kraft, weil sie vom Wiedererkennen abhängt und Wiedererkennen Vorerfahrung verlangt. Die Wirkung wurde nicht neu im Stoff entdeckt. Sie entstand dadurch, dass ein älteres Publikum sah, wie eine vertraute Anordnung gegen seine Erwartungen gewendet wurde.

Das stärkste Argument für einen echten Bruch

Gegen diese Lesart gibt es einen gewichtigen Einwand. Nach der Welle der Dekonstruktionen haben sich die grundlegenden Erwartungen an das Genre tatsächlich umgekehrt. Eine ernst gemeinte Magical-Girl-Serie muss heute erst begründen, warum ihre Aufrichtigkeit Vertrauen verdient. Das niedliche Maskottchen steht von Anfang an unter Verdacht und bleibt es, bis es beweist, dass es nicht lügt. Magical-Girl-Anime erhielten eine dauerhafte ironische Ebene, ähnlich wie Mecha nach Neon Genesis Evangelion. Neue Zuschauer erwarten häufig eine Falle, und diese Erwartung verändert die Bedeutung eines harmlosen Kostüms oder Vertrags, bevor die Geschichte irgendetwas damit getan hat. Dieser strukturelle Wandel kam nach dem Original, und das Original selbst enthält ihn nicht. All das stimmt. Der Streit dreht sich darum, wem welcher Verdienst gebührt. Die Umkehrung veränderte, wie das Publikum das Genre liest, nicht aber, was das Genre schon immer in sich tragen konnte. Eine Dekonstruktion zehrt von vorhandener Aufrichtigkeit, weil sie das, was sie umstürzen will, nicht selbst erschaffen kann. Madoka entfaltet seine explosive Wirkung nur, weil Sailor Moon es ernst meinte. Auch aufrichtige Werke, die viel später entstehen, können weiterhin Erfolg haben, ohne sich dafür zu entschuldigen. Niemand schaut Little Witch Academia und wartet auf eine verborgene Enthüllung, und die Serie muss auch keine liefern. Ironie hat die Ausgangshaltung des Publikums verändert, aber sie hat die ältere Erzählweise weder außer Kraft gesetzt noch als leer entlarvt.

Wo diese Tradition heute auftaucht

Der Baukasten fand schließlich auch außerhalb von Magical-Girl-Anime Verwendung. Das zeigt, dass er funktionales erzählerisches Handwerkszeug war und keine Dekoration. My Hero Academia nutzt ein farbcodiertes Ensemble, in dem das Kostüm zur Identität wird und Kämpfe davon abhängen, für welche Art Mensch sich jemand entscheidet. Seine Struktur stammt aus Sentai, während seine emotionale Logik zu Magical-Girl-Geschichten gehört. Lycoris Recoil verbirgt ein Zweierteam aus Mädchen und ein Missionsformat in einer Arbeitsplatzkomödie. Yona of the Dawn gibt seiner Shoujo-Heldin einen Bogen, wo eine andere Geschichte ihr vielleicht einen Zauberstab gegeben hätte. Revolutionary Girl Utena bleibt das formal radikalste Werk dieser Traditionslinie und entfaltet sich wie ein Argument, das im selben Quellcode geschrieben wurde. Diese Verbindung überrascht weniger, wenn man weiß, dass Kunihiko Ikuhara für eine ganze Reihe der eindrucksvollsten Folgen des Originals die Storyboards zeichnete. Auch Sailor Moon selbst ging weiter. Sailor Moon Crystal bot eine alternative Nacherzählung, und die Sailor Moon Eternal Filme führten die späteren Kapitel fort. Diese Nachfahren teilen Teile einer Erzählmaschine, die sich als anpassungsfähig genug erwiesen hat, um weiterzuwandern, selbst wenn die Geschichten um sie herum anders aussehen. Ein Genre, das angeblich durch Dekonstruktion getötet wurde, bringt keine so lebendigen Nachfahren hervor. Auch sein grundlegender Baukasten würde nicht immer wieder in Geschichten auftauchen, die sich weit über seine alten Grenzen hinausbewegt haben.

FAQ