Das Vermächtnis von Gainax, von Evangelion bis Trigger

Der Abspann erzählt die eigentliche Geschichte

Fangen wir mit Hiroyuki Imaishis Position im Abspann von Evangelion an. Über weite Strecken der zweiten Serienhälfte wird er für Zwischenphasenanimation genannt. Gegen Ende taucht sein Name auch bei der Schlüsselanimation auf. Zwischenphasenanimation steht auf der untersten Stufe der Branche. Es ist anonyme Arbeit: Man zeichnet die Bilder, die die Zeichnungen anderer miteinander verbinden. Oft nimmt jemand diesen Job an, weil er der einzige Einstieg ist. Schau dir nun die anderen Namen auf derselben Liste an. Yoshiyuki Sadamoto verantwortete das Charakterdesign. Tensai Okamura arbeitete an Storyboards und führte bei Episoden Regie, Keiji Gotou steuerte Schlüsselanimationen bei und Hiroshi Yamaguchi schrieb Drehbücher. Aus heutiger Sicht erinnert diese Liste weit mehr an die Aufstellung künftiger Stars als an einen gewöhnlichen Produktionsabspann. Die Häufung späterer Größen lässt sich leicht als glücklicher Zufall abtun. Eine berühmte Produktion zieht talentierte Leute an, so die Erklärung, und einige von ihnen werden später eben selbst berühmt. Ich lese die Belege genau andersherum. Eine solche Dichte entsteht in einem Studio, das bereit ist, unerprobte Mitarbeiter direkt an den einzelnen Bildern arbeiten zu lassen und ihnen dabei ein Gefühl für die eigene Urheberschaft zuzugestehen. Evangelion ist hier wichtig, weil die Karriereleiter sichtbar wird. Imaishi tritt nicht als fertiger Starregisseur in diese Geschichte ein. Sein Eintrag beginnt weit unten, bei einer Arbeit, die in der fertigen Bewegung eines anderen aufgehen soll. Seine spätere Karriere löscht diesen Ausgangspunkt nicht aus. Sie zeigt, was passieren kann, wenn jemand, der diese Arbeit erledigt, aufsteigen und eine erkennbare eigene Entscheidung im Bild hinterlassen darf. Das beständigste Dokument von Gainax ist deshalb kein Designhandbuch. Es ist die Liste der Namen hinter dem Werk.

Seine Erben sprechen keine gemeinsame Bildsprache

Folgt man Imaishis Karriere, gelangt man zum lauten Zweig der Familie. Er führte bei Gurren Lagann Regie, als er noch bei Gainax war. Später verließ er das Studio gemeinsam mit Masahiko Otsuka und gründete Trigger. Dort setzt sich die Linie mit Kill la Kill, Promare, Little Witch Academia und Cyberpunk: Edgerunners fort. Diese Werke sind elastisch und ohrenbetäubend. Und sie sind mit einer Intensität aufrichtig, die den meisten Studios peinlich wäre. Sadamotos Weg könnte sich kaum stärker davon unterscheiden. Nachdem er Shinji und Rei gestaltet hatte, entwarf er in den folgenden Jahrzehnten die Familien in Mamoru Hosodas Filmen: Das Mädchen, das durch die Zeit sprang, Ame & Yuki, Die Wolfskinder, Der Junge und das Biest und Mirai. Diese Filme sind häuslich, warm und geduldig. Sie schlagen einen fast genau entgegengesetzten Ton an. Okamura steht für einen weiteren Weg, der aus derselben Produktion herausführte. Er zeichnete Storyboards für Evangelion-Episoden, bevor er bei dem elegischen, wandernden Wolf's Rain Regie führte. Stell ein Bild von Trigger neben eines aus Die Wolfskinder und ein weiteres aus Wolf's Rain. Sobald der Vergleich konkret wird, verschwindet der vermeintliche Studiostil. Die Farben stimmen nicht überein. Ebenso wenig Linienführung, Tempo oder Ton. Diese Unterschiede sind zu groß, um sie als kleine Variationen einer geerbten visuellen Identität abzutun. Hätte Gainax einen Look weitergegeben, ergäbe diese starke Abweichung keinen Sinn. Doch in den fertigen Werken ist sie klar zu sehen. Was diese Karrieren verbindet, findet man nicht, indem man ein Bild anhält und nach einem gemeinsamen Merkmal sucht. Die Verbindung liegt darin, wem man Entscheidungen zutraute, wie früh dieses Vertrauen kam und was jede dieser Personen nach ihrem Weggang daraus machte.

Das Erbe war die Freiheit, Entscheidungen zu treffen

Die Projekte verbindet etwas anderes, das wenig mit ihrer Oberfläche zu tun hat. Evangelion ist ein Originalwerk. Es gibt keinen Manga als Vorlage, mit dem sich die Produktion absichern könnte. Auch Gunbuster ist ein Original, ebenso FLCL, Gurren Lagann, Kill la Kill und Promare. Dahinter steht eine Wette, die immer wieder eingegangen wurde: Mach etwas, das noch niemand gelesen hat, und gib dann den Menschen, die es zeichnen, Raum, über sein Aussehen zu entscheiden. Diese Wette lässt sich nicht in einem einzelnen fertigen Bild finden. Das erklärt, warum die Suche nach einem Gainax-Studiostil immer wieder scheitert. Sie steckt in der Organisation der Produktion und in der Entscheidungsgewalt der Mitarbeiter. Vergleiche das mit dem Standardmodell der Branche. Ein beliebter Manga gibt den Auftrag vor, das Storyboard muss der Vorlage treu bleiben und vom Animator wird Genauigkeit erwartet. In diesem System kann jemand ein Jahrzehnt lang Zwischenphasen zeichnen. Niemand fordert ihn auf, das Bild zu hinterfragen oder zu entscheiden, ob seine vorgegebene Form die richtige ist. Die zweite Hälfte von Evangelion zeigt die Alternative am deutlichsten. Timing und Stillstand werden zu Ausdrucksmitteln. Lange gehaltene Bilder und bloßer Text erfüllen denselben Zweck. Welche Umstände diese Entscheidungen auch erzwangen, die jungen Mitarbeiter konnten sehen, dass ein Bild zur Debatte stand. Diese Lektion lässt sich besser weitergeben als eine Sammlung visueller Eigenheiten. Kopiert man ein Farbschema, verweist das Ergebnis zurück auf seine Quelle. Gibt man einem jungen Künstler echte Kontrolle, ähnelt das Ergebnis vielleicht nichts, was vorher da war. Gainax machte dieses zweite Ergebnis immer wieder möglich, selbst wenn die fertigen Produktionen keine klare Handschrift boten, die Kritiker hätten benennen können.

Wer die Stimmung kopierte, verpasste die Methode

Es gibt noch eine andere Abstammungslinie, die auf Nachahmung beruht, und sie ist die schwächere. Mecha hatte bereits eine ernsthafte Tradition. Mobile Suit Gundam hatte das Genre längst auf Politik und ihre Kosten ausgerichtet statt auf Spielzeug. Evangelions Beitrag war das Innenleben seiner Figuren, nicht der Ernst. Seine auffälligsten Oberflächenmerkmale ließen sich leichter übernehmen, und genau das taten viele spätere Serien: ein widerwilliger jugendlicher Pilot, rätselhafte religiöse Ikonografie und ein psychischer Zusammenbruch im dritten Akt. RahXephon zeigt dieses Erbe offen genug, um sich mit seiner Vorlage auseinanderzusetzen. Darling in the Franxx strebt dieselbe Gesamtform an und schafft es meist nur, die Form einzufangen. Die Serie steigert sich zu einem Finale, das ihre Figurenzeichnung nicht tragen kann. Serial Experiments Lain stammt aus derselben Zeit und teilt das Interesse am Innenleben, erreicht dieses Gebiet aber auf einem eigenen Weg. Genau deshalb hat die Serie auch heute noch Bestand. Puella Magi Madoka Magica ist die eigentliche Ausnahme. Immer wieder wird die Serie als das Evangelion der Magical Girls bezeichnet, ein Etikett, das ihr weniger Anerkennung zugesteht, als sie verdient. Sie übernahm den strukturellen Mut der älteren Serie. Sie gibt Genreversprechen, um sie anschließend zu brechen, und lässt Evangelions Ikonografie dabei unangetastet. Dieser Unterschied ist wichtig, weil Einfluss am leichtesten zu erkennen ist, wenn er auf Requisiten und Handlungselemente reduziert wurde. Ein trauriger Pilot oder ein unheilvolles Symbol macht den Verweis sofort sichtbar, doch beides sagt wenig darüber aus, wie eine Produktion denkt. Madoka Magica verstand, welcher Teil des Erbes nützlich war. Die Serie übernahm die Bereitschaft, die Erwartungen eines Genres gegen dieses selbst zu wenden, und fand dann Bilder, die zu ihrer eigenen Aussage passten. Die oberflächlichen Nachfahren bewahren Evangelions Umrisse. Das stärkere Werk bewahrt die Freiheit, aus der diese Umrisse überhaupt erst entstanden.

Der stärkste Einwand ist die Geschichte des Studios selbst

Der ernstzunehmende Einwand gegen diese Lesart lautet, dass sie aus dem Rückblick einen Mythos macht. Die Animebranche ist klein und von freier Mitarbeit geprägt, und eine Vorzeigeproduktion zieht Leute von überallher an. Natürlich stehen im Abspann einer berühmten Serie irgendwann Namen von Menschen, die später selbst berühmt wurden. Gainax die spätere Karriere eines Zwischenphasenzeichners zuzuschreiben, kann klingen, als würde man einen Bus für die Ziele seiner Fahrgäste verantwortlich machen. Eine schärfere Version des Einwands geht weiter. Die verstreute Nachkommenschaft existiert, weil das Unternehmen sich nicht zusammenhalten konnte. Seine Leute gingen. Anno baute Evangelion außerhalb des Studios, das für das Original verantwortlich war, als Filmzyklus neu auf, beginnend mit Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone bis hin zu Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time. Er drehte diese Filme in einem Studio, das er selbst gegründet hatte. Wer dieses Ergebnis als Vermächtnis beschreibt, läuft Gefahr, Abwanderung als Abstammungslinie umzudeuten. Der größte Teil dieses Einwands ist berechtigt, widerlegt das Argument aber nicht. Beide Beschreibungen verweisen auf dieselbe Praxis und dieselbe Schwäche. Ein Arbeitsplatz, der jemandem Anfang oder Mitte zwanzig Storyboards anvertraut, bevor das Dienstalter diese Chance rechtfertigt, ist zugleich ein Arbeitsplatz mit wenig institutionellem Ballast. Freiheit und Instabilität hängen zusammen. Mitarbeiter lernen, dass sie früh eigene kreative Verantwortung übernehmen können, und stellen dann fest, dass die Institution, die ihnen diese Verantwortung gibt, ihnen womöglich kein dauerhaftes Zuhause bietet. Die Weggänge machen Gainax nicht zu einer stabilen Akademie mit einem geordneten Nachfolgeplan. Sie zeigen, warum sein Einfluss in verstreuten Karrieren und nicht in einer kontinuierlichen Studioidentität sichtbar wird. Gainax als Brutstätte zu bezeichnen, sollte den Schaden und die Verwirrung dabei nicht romantisieren. Es sollte lediglich den Widerspruch treffend beschreiben. Das Studio schuf Bedingungen, unter denen junge Künstler sich schnell entwickeln konnten, wurde aber nicht zu einem Ort, der diese Künstler zuverlässig hielt. Man kann die Brutstätte nicht von dieser Instabilität trennen, denn die Geschichte zeigt uns beides zugleich.

Wo der Mut von Gainax weiterlebt

Trigger liefert die lauteste Antwort und hat sich die Aufmerksamkeit verdient, die das Studio bekommt. Cyberpunk: Edgerunners ist der deutlichste moderne Beweis dafür, dass diese kreative Grammatik nicht nur Triumph, sondern auch Tragik tragen kann. Die leisere Antwort belegt die übergeordnete These noch stärker. Hosodas Filme, geprägt von Sadamotos Designs, teilen die Überzeugung, dass eine ausdrucksstarke Zeichnung wichtiger ist als eine plausible. In diesen Filmen richtet sich diese Überzeugung auf einen Küchentisch statt auf eine Galaxie. Gerade der Unterschied in Größenordnung und Atmosphäre macht die Familienähnlichkeit aufschlussreich. Es geht nicht um eine wiederholte Pose oder Farbwahl. Es geht um das Selbstvertrauen, eine Zeichnung so zu formen, dass sie die nötige Emotion vermittelt. Evangelion wiederum hat das normale Leben einer Fernsehserie hinter sich gelassen und ist zu etwas geworden, das dem Wetter ähnelt. Die Serie läuft bei Netflix, sorgt jede Woche für Diskussionen und bleibt der Bezugspunkt für jede Serie, die ihr Genre von innen heraus aufbrechen will. All das bedeutet nicht, dass jede ungewöhnliche moderne Produktion Gainax gehört, und es macht Einfluss auch nicht zu Eigentum. Es bedeutet, dass die Originalserie weiterhin ein Vokabular liefert, um darüber zu sprechen, was geschieht, wenn Kreative die sichere Variante eines Genres ablehnen. Eine kompakte Auswahl macht die Abstammungslinie leichter erkennbar. Beginne mit Gunbuster, um das Studio vor dem Erdbeben zu sehen. Schau Neon Genesis Evangelion für das Erdbeben selbst und danach Gurren Lagann für das, was die Überlebenden aus den Trümmern machten. Die drei Werke präsentieren keine einheitliche visuelle Marke, und genau diese fehlende Einheitlichkeit ist der Beleg. Der Stil wurde nicht weitergegeben. Der Mut schon. Mut wird weitergetragen, weil er jedem neuen Kreativen die Freiheit gibt, eine andere Antwort zu finden. Deshalb sehen sich die echten Erben von Gainax so selten ähnlich.

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