Wie Anime mit Trauer und Verlust umgehen

Trauer als Übersetzungsproblem

Violet Evergarden gibt seiner Hauptfigur einen Beruf, der zugleich eine These ist. Als Auto Memories Doll, eine Ghostwriterin auf Bestellung, sitzt sie Fremden gegenüber, hört zu, was immer sie über die Lippen bringen, und macht daraus einen Brief, den sie tatsächlich abschicken können. Ihre Arbeit besteht darin, Gefühle zu übersetzen, und sie ist sehr gut darin. Nur bei sich selbst gelingt ihr das über weite Teile der Serie nicht: Die letzten Worte eines geliebten Menschen sind der eine Text, den sie nicht entschlüsseln kann. Reiko Yoshida macht diese Ironie in ihrer Serienkomposition ganz bewusst zum Thema. Jeder Auftrag ist eine Übung für eine Übersetzung, zu der Violet selbst noch nicht fähig ist. Und auffällig wenige dieser Aufträge drehen sich tatsächlich um den Tod. Manche Kunden sind verliebt, manche haben sich entfremdet, manchen läuft schlicht die Zeit davon. Die Serie vertritt die These, dass hinter all dem derselbe Antrieb steckt: ein Gefühl, das über die Worte hinausgewachsen ist, die dafür zur Verfügung stehen.

Die episodische Form trägt die Geschichte

Hier liegt ein struktureller Vorteil von Anime, der selten genug gewürdigt wird. Ein Film muss sich für eine Form der Trauer entscheiden und sie vorantreiben. Die letzten Glühwürmchen folgt einem einzigen unerträglichen Verlauf und weigert sich, ihn abzumildern. Genau deshalb funktioniert der Film und genau deshalb schauen ihn die meisten Menschen nur einmal. Eine episodisch erzählte Serie kann etwas, das ein Film nicht kann: einen Überblick geben. Violet Evergarden umfasst einen straff erzählten Cour und funktioniert größtenteils wie eine Anthologie: ein neuer Kunde, ein neues Haus, eine neue Form des Verlusts, die aufgegriffen und abgeschlossen wird. Nichts spitzt sich zu. Stattdessen entstehen Ähnlichkeiten. Diese Struktur vermittelt ganz nebenbei, dass Trauer kein einzelnes Gefühl mit einem festen Verlauf ist, sondern eine Reihe von Erfahrungen, die nur von außen betrachtet gleich aussehen. Gleichzeitig entwickelt sich die Hauptfigur selbst nur in winzigen Schritten weiter, und genau dieses Tempo ist ehrlich. Eine Serie, die sie mit einem einzigen dramatischen Durchbruch geheilt hätte, würde darüber lügen, wie so etwas tatsächlich abläuft.

Animation muss sich entscheiden, den leeren Stuhl zu zeichnen

Ein Realfilm zeigt einen Raum, und die Abwesenheit ergibt sich von selbst: Der fehlende Mensch ist einfach nicht im Bild. In der Animation gibt es keine solche Abwesenheit umsonst. Jeder Gegenstand in einem Bild wurde absichtlich gezeichnet. Ein leerer Stuhl, eine ungeöffnete Schublade, ein Gedeck, das niemand benutzt, all das sind bewusste Entscheidungen, und das Publikum spürt sie, auch ohne sie zu benennen. Kyoto Animation hat die gesamte Bildsprache dieser Serie darauf aufgebaut. Die Serie beobachtet Hände häufiger als Gesichter: Finger auf Schreibmaschinentasten, einen zögernden Griff, die kleinen Handlungen, mit denen Menschen sich beschäftigen, statt auszusprechen, was sie sagen müssten. Naoko Yamada übernahm das Storyboard für einen der meistzitierten Abschnitte, Yasuhiro Takemoto führte bei anderen Regie und zeichnete die Storyboards. Gemeinsam brachten sie der Serie bei, eine Einstellung einen Moment länger zu halten, als angenehm ist. Youta Tsuruokas Tonregie vollendet die Wirkung mit Raumklang, dem Klappern der Tasten und der Stille, wo eine Antwort sein sollte. A Silent Voice arbeitet nach demselben Prinzip: Die Kamera richtet sich auf den Gegenstand, nicht auf das weinende Gesicht.

Der stärkste Einwand: Ist das nicht alles auf Tränen berechnet?

Der berechtigte Einwand lautet so: Traurige Anime sind eine Produktkategorie mit bekannten Zutaten: die Jugendfreundin, der passend zur Enthüllung platzierte Rückblick, der Klaviereinsatz, der vier Sekunden zu früh kommt, die Diagnose. Anohana und Your Lie in April wird beides vorgeworfen, und dieser Vorwurf ist nicht dumm. Beide sind durchkonstruiert. Beide wissen genau, wann du anfangen wirst zu weinen, und arbeiten darauf hin. Trotzdem finde ich den Vorwurf nicht überzeugend, weil er das Falsche prüft. Jedes Drama ist konstruiert, entscheidend ist, wozu. Deshalb lohnt sich eine genauere Frage: Bleibt die Serie auch nach dem Tod bei ihren Figuren? Eine Geschichte, die in der Beerdigung ihren Höhepunkt findet, hat einen Todesfall als emotionalen Effekt benutzt. Eine Geschichte, die lange danach beginnt, wie Anohana mit einem Verlust, den niemand überwunden hat, handelt tatsächlich von Trauer. Violet Evergarden beginnt, als der Krieg bereits vorbei ist. Der Verlust liegt schon in der Vergangenheit, bevor der erste Brief geschrieben wird. Daran erkennt man den Unterschied.

Genesung braucht soziale Infrastruktur, keine Willenskraft

Anspruchsvolle Dramen aus dem englischsprachigen Raum lieben die einsam trauernde Person, allein in einem Haus, mit der Verarbeitung beschäftigt. Anime inszenieren das fast nie so. Sie verankern Trauer am Arbeitsplatz oder in einer Wahlfamilie und lassen das Ensemble die Arbeit übernehmen. Violets Rehabilitation findet bei CH Postal Service statt, unter Claudia Hodgins, Cattleya Baudelaire, Benedict Blue und Kollegen, die ihr größtenteils keine Vorträge halten. Sie geben ihr einfach immer wieder Aufträge und sorgen dafür, dass sie dabei bleibt. March Comes in Like a Lion zeigt das am deutlichsten: Ein depressiver Jugendlicher wird von seinen Nachbarn mit Essen versorgt, bis aus dem Essen allmählich wieder Leben wird. Anohana kann erst überhaupt zu einer Auflösung kommen, wenn die ganze Gruppe körperlich anwesend ist. Die gemeinsame Aussage dieser Serien lautet: Genesung braucht Infrastruktur. Jemand muss immer wieder auftauchen, mit einem Abendessen, mit Arbeit, mit einem Grund, die Wohnung zu verlassen. Das ist ein anderes und, wie ich finde, wahrhaftigeres Modell als jenes, bei dem von Trauernden erwartet wird, sich im Stillen selbst wieder in Ordnung zu bringen.

Das eigentliche Thema ist Zeit, nicht Abschluss

Das Letzte, was dieses Medium richtig macht, ist der Umgang mit Dauer. Die Trauer in diesen Geschichten löst sich nicht auf, sie verändert ihre Größe. Frieren: Beyond Journey's End bringt das am deutlichsten auf den Punkt: Eine Magierin überlebt ihre Gefährten und beginnt erst danach langsam zu begreifen, wie viel sie hatte. Als kritisches Schlagwort wird dafür gern Mono no aware herangezogen, der Schmerz, der in der Vergänglichkeit der Dinge liegt. Das passt, wird der praktischen Seite aber nicht ganz gerecht: Diese Serien interessieren sich dafür, wie sich das fünfte Jahr anfühlt, nicht die erste Woche. Violet Evergarden tut nie so, als ließe sich auslöschen, was seiner Hauptfigur widerfahren ist. Bezeichnenderweise wurde die Geschichte danach in einer Nebengeschichte und einem Kinofilm fortgesetzt, statt sie mit einem letzten Bild abzuschließen. Darin ist die Erzählform ehrlich. Hier gibt es keine letzte Seite. Die Briefe werden weiter verschickt, und jemand schreibt sie weiter.

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