# Masaaki Yuasa: Die freieste Hand im Anime

Die meisten Anime sind darauf ausgelegt, die Menschen hinter den Zeichnungen unsichtbar zu machen. Ein Model Sheet legt jedes Gesicht fest, dann bringt der Animationsregisseur jede Schlüsselzeichnung wieder näher an dieses freigegebene Design. Diese Einheitlichkeit, die über ein Produktionsjahr hinweg durch Hunderte Hände gewahrt wird, ist eine der großen Leistungen der Branche. Doch sie hat auch einen stillen Preis. Masaaki Yuasa weigert sich seit Beginn seiner Karriere, ihn zu zahlen. Seine Figuren dehnen, winden und verformen sich, sie werden flach gedrückt oder verzerrt. Diese Verformungen sind beabsichtigt und keine Fehler, die bei der Produktion übersehen wurden. Sie haben eine Bedeutung. Inu-Oh, seine Rockoperette über einen maskierten Tänzer und einen blinden Biwa-Spieler im feudalen Japan, treibt diese Idee weiter als jedes seiner früheren Werke. Was lange Yuasas visuelle Handschrift war, wird zum Thema des Films.

## Die Anime-Produktion verbirgt die Handschrift der Künstler

Beginnen wir mit der Aufgabe des Animationsregisseurs. Der Charakterdesigner legt das Modell fest, Key Animators fertigen die Zeichnungen an, und der Animationsregisseur zeichnet sie neu oder korrigiert sie, bis jede eindeutig dieselbe Figur zeigt. Auch bei Inu-Oh kommt dieses ganze System zum Einsatz. Im Abspann wird Yoshimichi Kameda als leitender Animationsregisseur genannt, neben ihm korrigierten Nobutake Itou und Yasuhiro Nakura die Zeichnungen. Anime braucht diese Maschinerie der Einheitlichkeit. Sie sorgt dafür, dass eine Serie über zwei Cours wie ein zusammenhängendes Werk aussieht und nicht wie die Arbeit von vierzig einzelnen Künstlern, die darüber streiten, wie alle aussehen sollen. Der Nachteil fällt leicht auf, sobald man weiß, wo man suchen muss. Ein großer Teil der Anime wird austauschbar, weil das System die persönliche Handschrift der einzelnen Animatoren entfernt. Die Spuren davon, dass ein bestimmter Mensch an einem bestimmten Nachmittag eine Zeichnung angefertigt hat, werden wegpoliert. Yuasa nutzt dieselbe Produktionsmaschinerie und arbeitet mit denselben Arten von Fachleuten, dennoch sind seine Filme kaum mit denen anderer zu verwechseln. Das macht seinen Ansatz so interessant. Er hat die Anime-Industrie nicht verlassen, um die Handschrift der Künstler zu bewahren. Er hat gelernt, die Methoden der Branche selbst in die entgegengesetzte Richtung zu lenken.

## Ping Pong ließ die Zeichnungen falsch aussehen

Ping Pong the Animation liefert den deutlichsten Beweis. Taiyou Matsumoto zeichnet Menschen bewusst mit zu großen Köpfen, zu langen Gliedmaßen und Gesichtern, deren Form sich von Panel zu Panel verändert. Eine konventionelle Adaption würde diese vermeintlichen Fehler bereinigen. Sie würde seine Linien in ein Modell übertragen, das sich für eine Fernsehproduktion problemlos reproduzieren lässt. Yuasa entschied sich, sie beizubehalten. Die Serie sieht unförmig und ungelenk aus, und genau deshalb entfalten ihre Matches eine solche Wucht. Bei einem Sport, den erschöpfte Jugendliche ausüben, sollten Körper unförmig und ungelenk aussehen. Die meisten Sportanime begegnen derselben Herausforderung mit schönen, makellosen Figuren, die kaum Gewicht zu haben scheinen. Jeder Athlet wird zu einer idealisierten Darstellung des menschlichen Körpers. Ping Pong lässt Anstrengung die Menschen unbeholfen wirken. Ein Blick in den Abspann von Inu-Oh zeigt dann, dass Matsumoto erneut dabei ist, als ursprünglicher Charakterdesigner. Seine Beteiligung ist keine beiläufige Randnotiz. Zwei der visuell kompromisslosesten Titel in Yuasas Werk gehen auf dieselbe Entscheidung zurück. Ein Künstler, dessen Linien sich einer Vereinheitlichung widersetzen, überlässt seine Designs dem Regisseur, der am wenigsten daran interessiert ist, sie zu vereinheitlichen.

![Smile an einer Tischtennisplatte, in bewusst lockeren, skizzenhaften und falsch wirkenden Linien gezeichnet.](https://hozuna.com/blog/art/deep_dive/masaaki-yuasa--pingpong.f7cefbc4.webp)

*Ping Pong bewies, dass falsch besser wirkt: Die hässliche Zeichnung ist die zutreffende.*

## Inu-Oh lässt die Animation die Musik aufführen

Musik-Anime bauen gewöhnlich um den Auftritt herum, statt zu versuchen, jeden Teil davon zu animieren. Blue Giant, Carole & Tuesday, Bocchi the Rock! und Girls Band Cry sind hervorragende Beispiele für diesen vernünftigen Kompromiss. Der Song treibt die Szene an, während die Kamera das Publikum einfängt oder zu Fingern, geschlossenen Augen und Bühnenlichtern schneidet. Die Musik liefert die emotionale Kraft, die Zeichnungen unterstützen sie. Inu-Oh kehrt dieses Verhältnis um. Wenn Inu-Oh tanzt, wird sein Körper zum Instrument. Seine Gliedmaßen reichen über die Grenzen einer plausiblen Anatomie hinaus. Seine Silhouette dehnt sich aus und fällt im Takt in sich zusammen. Er verhält sich immer weniger wie ein festes Charakterdesign und immer mehr wie Klang, der sichtbare Form angenommen hat. Tomonas Biwa und seine Stimme sind keine Begleitung, die über das Bild gelegt wird, denn das Bild verändert im Takt mit beiden seine Form. Nur wenige Anime-Regisseure könnten die Sequenz so inszenieren. Noch weniger haben Jahrzehnte damit verbracht, ein Publikum darauf vorzubereiten, einen elastischen Körper auf der Leinwand zu akzeptieren und ihm überallhin zu folgen, wohin die Bewegung führt. Die Rockoperette funktioniert, weil Yuasa die Freiheit der Linien bereits zu einer vollständigen Regiemethode gemacht hatte.

## Jede Verzerrung sagt etwas aus

Yuasa unterscheidet sich von einem Regisseur, der nur um des Stils willen stilvoll ist, weil seine Verformungen konsequent dem Stoff dienen. In Devilman Crybaby geht es um Körper, in die eingedrungen wird und die aufgerissen werden. Die unsteten Linien weigern sich, eine feste Form zu bewahren, sodass Zeichnung und Geschichte gleichzeitig denselben Gedanken vermitteln. Kaiba behandelt Identität als etwas, das sich von einem Behälter in einen anderen gießen lässt. Alle Figuren sind weich, rund und austauschbar dargestellt, wodurch die Prämisse sichtbar wird, bevor der Dialog sie erklären muss. Inu-Oh führt dieses Muster zu seiner vollsten Ausprägung. Der Protagonist wird mit einem Körper geboren, den seine Welt als monströs betrachtet. Seine eigene Familie wickelt ihn von Kopf bis Fuß ein und befestigt eine Maske vor seinem Gesicht. Yuasa, dessen prägende Gewohnheit seine Weigerung ist, Körper zu normieren, hat einen Film über einen Jungen gedreht, dessen Körper gewaltsam normiert wird. Diese Verbindung liest sich wie ein künstlerisches Bekenntnis, ohne sich als solches ausgeben zu müssen. Die wackeligen Linien wurden der mittelalterlichen Geistergeschichte nicht als Dekoration hinzugefügt. Sie geben den Themen des Films, den Flüchen und den Toten der Heike, eine Form. Yuasas Aussage steckt in den Zeichnungen selbst.

![Eine Figur in einem Raum, dessen Wände und Boden sich um sie herum biegen und dehnen.](https://hozuna.com/blog/art/deep_dive/masaaki-yuasa--warp.37ebf8da.webp)

*Die Verzerrung ist keine Dekoration: Sie ist das Thema, als Zeichnung.*

## Takahata stellt die These am stärksten infrage

Das beste Gegenargument ist Isao Takahata. Nach beinahe jedem Maßstab ist Die Legende der Prinzessin Kaguya der radikalere Film. Seine Kohlezeichnungen und verwaschenen Farben dürfen die Umrisslinien vollständig durchbrechen, und auf dem Höhepunkt der emotionalen Anspannung zerfällt die Zeichnung sichtbar. Meine Nachbarn die Yamadas hatte schon Jahre zuvor das Aussehen eines Skizzenbuchs bewahrt. Die Argumente für Yuasa werden weniger überzeugend, wenn man den Vergleich erweitert. Mononoke überzieht seine Bilder mit der Papiertextur von Ukiyo-e. Revolutionary Girl Utena verwandelt eine ganze Schule in eine Bühnenmaschinerie. Redline bleibt ein Monument handgezeichneter Exzesse, das kein vernünftiger Produktionsablauf gutheißen würde. Jeder dieser Titel geht weiter als ein einzelnes Werk von Yuasa. Der Unterschied liegt in der Dauer. Bei diesen Beispielen handelt es sich um einzelne Projekte, während Yuasa aus dieser Freiheit eine dauerhafte Praxis machte. Kaguya ist ein Meisterwerk, das sein eigener Regisseur nie wiederholte. Yuasa führte seinen Ansatz durch The Tatami Galaxy, Ping Pong the Animation, Devilman Crybaby und Inu-Oh fort. Danach gründete er Science Saru mit, damit die Methode über einzelne Produktionen hinaus weiterleben konnte. Ein einzigartiger Film kann zeigen, dass ein bestimmter Look möglich ist. Eine Karriere, in der jemand immer wieder zu dieser Idee zurückkehrt, zeigt, dass sie als Arbeitsweise Bestand haben kann.

## Freiheit hat ihren Preis

Yuasas Freiheit verlangt dem Publikum etwas ab, und Menschen, die keinen Zugang zu seinen Werken finden, haben einen berechtigten Einwand. Ein Auge, das an glatte Studiostile gewöhnt ist, kann seine Linien leicht für billig halten. Zuschauer verwechseln bewusste Verzerrung regelmäßig mit Geldmangel, das vorhersehbare Risiko, wenn die Handschrift der Künstler sichtbar bleibt. The Tatami Galaxy verbindet seine Bilder mit einem Erzähler, der sich weigert, langsamer zu werden, und zwingt das Publikum, Schritt zu halten. The Night Is Short, Walk On Girl folgt einer Traumlogik und findet einen emotionalen statt eines kausalen Abschlusses. Inu-Oh stellt eine weitere Anforderung. Seine Musiknummern sind lang und üppig, während seine Welt aus Hofpolitik, Kriegstoten und überlieferter Bühnenkunst vom Publikum erwartet, sich auf eine Geschichte einzulassen, die die meisten nicht bereits kennen. Yuasa kann auch etwas verlieren, wenn er die Verzerrung zurücknimmt. Ride Your Wave ist sein wärmster Film, aber auch sein am wenigsten notwendiger. Diese Nachteile sollte man nicht einfach als Preis des Genies abtun. Sie sind tatsächliche Grenzen seines Schaffens. Sie erklären auch, warum Yuasa interessant genug bleibt, um über ihn zu streiten. Wie das Ergebnis auch ausfällt, es besteht nie ein Zweifel daran, wessen Film du gerade siehst.

## FAQ

### Wo fange ich bei Masaaki Yuasa am besten an?

Am besten mit Ping Pong the Animation. Yuasas Stil entfaltet hier seine volle Kraft, doch eine geradlinige Sportgeschichte hält alles auf dem Boden. So wirken die Verzerrungen wie Mittel der Charakterzeichnung und nicht wie Chaos. Wenn du lieber mit einem Film anfangen möchtest, wähle Inu-Oh, sein spektakulärstes Werk für einen einzigen Filmabend.

### Wo kann ich Inu-Oh legal streamen?

Inu-Oh läuft auf Hulu sowohl mit Untertiteln als auch mit englischer Synchronfassung. Der Film ist auch auf Netflix verfügbar. Das Angebot unterscheidet sich je nach Region, also prüfe, welcher Dienst an deinem Wohnort die Lizenz besitzt.

### Muss ich etwas über japanische Geschichte wissen, um Inu-Oh zu verstehen?

Nein. Der Film vermittelt dir alles, was du für seine Geschichte wissen musst, und funktioniert auch ohne Vorwissen als Fabel über zwei ausgestoßene Künstler. Es hilft zu wissen, dass die Heike ein besiegter Clan waren, dessen Tote die Geschichte heimsuchen. Dieser Hintergrund verleiht ihr jedoch zusätzliche Tiefe und ist keine Voraussetzung.

### Ist Yuasas Animation schlecht gezeichnet oder mit wenig Budget entstanden?

Weder noch. Diese Vorstellung verkennt das handwerkliche Können dahinter. Eine Figur im Takt überzeugend zu verzerren, ist schwieriger, als sie korrekt zu zeichnen, denn ein Model Sheet kann die Fehler des Animators nicht auffangen. Yuasas wackelige Linien sind eine bewusste Entscheidung, die von erfahrenen Animatoren umgesetzt wird, keine Sparmaßnahme.

### Funktioniert Inu-Oh auch für mich, wenn ich Musicals normalerweise nicht mag?

Inu-Oh ist eher ein Konzertfilm als ein Bühnenmusical. Seine Musiknummern sind Auftritte, die die Figuren vor einem zahlenden Publikum geben. Es sind keine Lieder, die plötzlich ein gewöhnliches Gespräch unterbrechen. Wenn du die Inszenierung von Rockkonzerten magst, dürfte die musikalische Struktur für dich kaum ein Hindernis sein.

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